Si tú lo estás viendo, yo lo voy a ver. Texto y fotos: Salvador Perches Galván.

eseperches
1 jul
17 Min. de lectura

El padre de Dani necesita un riñón y quizá ella pueda dárselo, pero el simple hecho de imaginar una mano cubierta por un guante de látex palpando su riñón, evaluándolo al puro tacto, le aterra, tanto como le aterra su madre, su hermana y tener que amarlos por el simple hecho de ser su familia.

Siempre tendremos Dallas es una historia que se va construyendo desde el humor para avanzar a un territorio que le pertenece al horror. Nos habla de la juventud y de esa batalla que, a veces, se libra para poder empatizar con los demás miembros de la familia, hasta circunstancias como la edad, la enfermedad, las personas, la ciudad en donde viven esas personas y la violencia que se percibe en las calles de esa ciudad, orilla a los personajes a ponerse en el lugar del otro, y ocupar un mismo espacio siempre es complicado.

Con casi 20 años en los escenarios como actor y director, Daniel Ortiz también ha incursionado en la dramaturgia y actualmente está por concluir la primera temporada de Siempre tendremos Dallas, en donde funge como director. Platicamos con el polifacético hombre de teatro sobre esta muy peculiar obra teatral.

Me gustó mucho la obra, en cierto sentido me remitió a un montaje que acaba de terminar que fue muy exitoso Las dos Cassandras… …la vi, con Majo y Vicky.

Exactamente no que una sea copia, menos plagio, pero hay algunas semejanzas: el formato, dos mujeres a un ritmo vertiginoso en el que interpretan muchos personajes. Pocos elementos y una problemática vista desde la óptica femenina, que no feminista, y trata muchos temas. Platícame como surge esta locura, porque es una locura, muy, muy grata.

Monteverde y Andrea Camacho, las actrices, me ofrecieron el texto para dirigirlo, lo leí a botepronto, fue, como mencionas, mucha información. Es un texto que a nivel dramático, a nivel papel, va avanzando muy rápido, y podríamos pensar que es muy rebuscado.

A la primera lectura dije, A ver, lo tengo que volver a leer porque hubo muchas cosas que se me pasaron. Déjame entender bien lo que está pasando en este texto. Lo que me enganchó muchísimo fue las relaciones familiares, el hecho que Dani estuviera inmersa en una familia tan disfuncional, tan quebrada, tan fragmentada, me llamó muchísimo la atención, porque me parece que hay mucha violencia dentro de esos ambientes. Parece que no, pero es un ambiente bastante violento, donde una joven adolescente, joven adulta que está creciendo, toma las peores decisiones.

El mismo texto propone que todos los personajes los interpreten estas dos actrices, entonces siguiendo un poco esa línea, creo que el mayor reto que yo tenía, era dejar claras las situaciones, dejar claro que está pasando con los personajes, y cómo va avanzando esta progresión.

Al también ser mucha narraturgia, podemos correr el riesgo de que sea aburrido, entonces a mí lo que me interesaba justamente era agilizar, tiene toques de humor negro, lo cual me encantó, y de ahí, a nivel de concepto era, Contemos la historia con pocos elementos, y que esos elementos nos ayuden a pintar los espacios para que sean más claros los momentos y las situaciones que están viviendo estos personajes. Por dónde transitan los personajes, porque transitan por muchos espacios, la casa, la casa del papá, la casa de la mamá, el hospital; que si la calle, que si el Super Axel, muchísimos lugares.

Entonces a mí lo que me interesaba, era dejar a la libertad y a la mente del espectador para imaginar estos lugares, pero sí definirlos con los tres elementos que tenemos en escena.

Y el concepto inicial, yo tenía claridad desde que leí el texto de querer que las dos hermanas terminen en esta plancha, acostadas. A partir de esta idea dije, Bueno, creo que lo que nos puede servir es, a partir de esta metáfora de una familia separada, fragmentada, fragmentar también la mesa para que nos ayude a contar, para que al final se unan.

Como gran metáfora, en mi concepto de dirección, hasta el final es que los personajes se dan cuenta que se tienen como familia, a pesar de la desgracia que están viviendo. En las desgracias es donde más se une la gente, con el vecino, cuando hay un terremoto, como sociedad nos unimos; cuando hay una guerra nos empezamos a unir, pero lastimosamente es a partir de las desgracias. Estos personajes que están en esta desgracia, al unir las mesas al final en esta plancha, las mesas simbolizan esta familia fragmentada. Todos están separados, todos están viendo por sí mismos, son cuatro y no hay siquiera dos que estén unidos, es una familia absolutamente rota. Entonces eso es lo que queremos representar.

Para comprender todas estas capas de lectura, yo le decía a las actrices, Pensemos que cada estructura, cada pequeña estructura que tenemos, que al final forman la mesa, uno representa a la hermana, otro representa a la mamá y otro al papá, y Dani, el personaje protagonista. Son ellas dos, transitando en medio de todos, para que al final terminen unidas. Esta metáfora de la familia, está unida, pero ya en una desgracia mayor, y la consecuencia de todas estas malas decisiones que va tomando el personaje, por el simple hecho de no querer decir lo que piensa, lo que siente, o la verdad, por vivir en una familia así de fragmentada.

Últimamente muchas obras que se han presentado en cartelera, no son complacientes, son obras que rompen y que proponen. En Siempre tendremos Dallas hay muchas rupturas de tiempo, va y viene, esto exige mucho el espectador. A últimas fechas hemos podido ver muchas obras con estas características, además, con un final muy oscuro. Este tema principal de las relaciones familiares en un conjunto tan fragmentado, es uno de los muchos que se tratan, podemos hablar de tráfico de órganos, trata de infantes, de tráfico de personas, violencia, del narco, de la corrupción, en fin lo que tú dices, son muchas capas que se mezclan muy bien, y que le exigen al espectador mucha atención para no perderse.

Justamente es de los mayores retos que tenía. Reitero, cuando leí por primera vez el texto lo tuve que volver a leer, A ver, ¿qué pasó?, ¿qué está pasando aquí?, porque me quedaron dudas. Con esa primera impresión del texto, mi mayor reto como director era: tratar de darle claridad; que el espectador no se aburra; que no dure mucho; que sea accesible para el espectador porque hay mucha información, y que pueda entenderse en qué lugares está, con estos saltos de tiempo-espacio, la historia va avanzando y progresando de esa manera. Tenemos que ser muy claros, muy, muy claros a nivel dirección de lo que está sucediendo.

Ese fue el primer reto, y el reto de ellas era tener que saltar de una escena a otra rapidísimo y tener claridad de en qué personaje estas y de cuál es la progresión de ese personaje. Entonces hicimos un trabajo de, haber, donde está el papá en este momento, cuál es la última escena que tuvo el papá con la hija. Entonces en esta escena tenemos que abordarlo desde este punto.

También lo que me interesaba mucho enfocar era dejar claros los personajes, como las dos hacen a los mismos personajes era sumamente importante para mí que si interpretaba a uno, por el rango vocal pudiéramos entender que es la hermana, por la actitud o la estampa corporal que es la mamá, y todo ese tipo de cosas. Fue un trabajo de estar machacando, machacando, machacando, ensayo con ensayo para que quedara claro y fuera lo más entendido posible.

Con respecto a lo que estás diciendo, no se auxilian de nada, no hay un solo accesorio, si se pone una mascada es la mamá, o si usa lentes es el papá, con la gorra es el niño, no hay un solo accesorio para diferenciar a los personajes, todo se basa en la actoralidad de estas dos excelentes actrices.

Justo, y lo que a mí me interesaba era recargar todo en la actoralidad porque creo que el reto de este texto está ahí, recae ahí. Por la propia dramaturgia era, dos actrices que interpreten todo ellas, aparte, tienen el reto de ser la misma persona, de definir al mismo personaje, además de definir a todos los personajes que están alrededor del protagonista que es Dani.

Y ambas con el mismo vestuario.

Tengamos el mismo vestuario para dejar claro que es una misma persona, fue la premisa, y a ese nivel, la estampa a nivel visual ya nos da una claridad, lo demás es la interpretación, entonces a mí me interesaba explorar un poco más a Dani, el personaje principal, un poco en un tono más hacia lo realista, pero los personajes que transitan en su vida, botarlos un poco más, utilizar rasgos más fásicos, más sobreactuados. Eso no quiere decir que no sean personajes profundos, a mí lo que me gusta mucho de la comedia es eso, que los personajes exacerban los vicios de la sociedad… …así surge la comedia, para eso surge, más bien… …justo, entonces exacerbamos eso por medio de comedia con el personaje del papá, que está un poquito más botado, la hermana que habla con un tono más nasal, pero eso no quiere decir que no les duelan las cosas.

Hay una escena muy bonita en donde la hermana y Dani se reconcilian, y tienen una plática muy bonita, y es la primera vez que vemos que los personajes conectan como familia, conectan entre sí. Se escuchan, se miran, se sienten, lastimosamente ya para ese punto de la obra ya están metidas en un problemón.

Y lo de los temas que aborda, algo que también me interesaba era no enfatizarlos, simplemente son problemáticas que existen en nuestro día a día, y lo único que me interesaba, y me interesa, es mostrarlos como son, que esa es la realidad de nuestra ciudad y de las 20,000 ciudades que hay en el mundo. El tráfico de órganos, la trata de personas, son temas reales, son temas que están pasando en la esquina de nuestras casas y no nos damos cuenta, no nos queremos dar cuenta, son temas bastante delicados y como hay infancias involucradas en todo esto. Esta escena donde están los niños, el personaje de Untiti, que es una persona explotada por esta red de tráfico de órganos y que lastimosamente también el personaje tiene un final bastante desastroso, me parecen temas necesarios.

Me parece que a nivel dramaturgia Manolo Díaz, el dramaturgo, lo conecta muy bien, lo va dejando ahí, sin necesidad de hacer énfasis, ni que los personajes estén señalando en cada escena que esa es una problemática del país, simplemente es una situación más.

Hay muchos textos que, fui al cine y me sucedió esto, acá no fui al cine, fui a tal Colonia y me sucedió esto son temas comunes y no me interesaba señalarlos demás, simplemente mostrarlos como son, mostrarlos como una práctica más de esta ciudad y de este país.

Qué, lamentablemente, es nuestro cotidiano. La obra me parece muy onírica, empieza en tono mas de comedia, comedia aguda, un tanto negra, pero se va volviendo oscura, oscura, y cada vez va más para abajo, porque va penetrando en el submundo de estas situaciones que se viven en México, y termina siendo una pesadilla, siempre presente la relación fraterna entre estas hermanas, y filial con los padres. Pero sí se torna cada vez más oscura, y más dolorosa por supuesto.

Hay algo que me gusta mucho a mí explorar en lo personal, que es la violencia, no la violencia de agarraremos una pistola, disparemos y matemos gente. Hay mucha violencia en este mundo, hay mucha violencia en las familias, siento que sobre todo en la ciudad en la que estamos, Ciudad de México, vivimos como en una olla de presión. Vas en el carro, y si te equivocas y no te paras donde debes, ya casi casi te quieren linchar, si te quedas estacionado en doble fila, lo que sea, siento que vivimos en una olla de presión, y siento que es un reflejo de la sociedad en la que estamos y del sistema que nos tiene arrinconados en una olla de presión, y que a cualquier cosita, explotamos. Eso es algo muy importante que también me gusta explorar de manera personal, y creo que este texto lo tiene, por eso también fue como una decisión de sí querer montarlo, porque me parece que hay mucha violencia, mucha violencia, mucha violencia, y sin ponernos en una posición de esto esta mal o bien, no, simplemente retratar lo que es.

La violencia es un instinto más que tenemos, y que mal llevada y mal entendida, detona lo que está detonando ahorita en otros países, en medio oriente, en Estados Unidos, pero creo que es algo que rechazamos como sociedad, rechazamos como seres humanos, más que hacerlo parte de nuestro día a día, entender de dónde viene, y a partir de ese entendimiento y de esa aceptación podemos modificarla y utilizarla como una cosa más de lo que somos, porque, por naturaleza, somos seres violentos, lo tenemos ahí, si no, no tuviéramos este tipo de problemas.

Y esta violencia que recae en esta familia en específico, a mí me llama mucho la atención, me parece que los personajes del papá y de la mamá ejercen una violencia fortísima sobre estas dos mujeres, sobre sus hijas, Vicky y Dani, sobre todo Dani, que es la protagonista. Es muy violenta la relación familiar que tienen, parece que no, pero también me parece importante retratarlo de esta manera, porque muchas familias viven en ese nivel de violencia, y parece que no lo es, parece que es lo “natural”, y la verdad es que a mí me interesa ponerlo y mostrarlo.

Ese es el problema, que la violencia se ha naturalizado, y no nada más la violencia física, también psicológica, verbal, por supuesto emocional. Algunos nos resistimos, pero mayoritariamente ya la gente está inmersa en esta situación.

Los pilares de esta familia son papá y mamá, solo piensan en ellos, papá solo piensa en su bienestar, no le importa si su hija, o la otra hija, o la esposa tienen que sufrir, o tienen que operarse para darle el riñón, el lo que quiere es estar bien, y mientras yo estoy bien lo demás no importa. Es una persona berrinchuda, es una persona necia, es una persona violenta a final de cuentas, y siento que estos dos pilares educan y transmiten toda esta información a sus hijas, y sus hijas por eso son así.

Mientras trabajábamos el proceso de ensayos, hablaba con Natzz y con Andrea, y les decía, No juzguemos a los personajes, evidentemente. Tratemos de entender, tratemos de encontrar, y tener claridad sobre qué es lo que quiere cada uno, con cada texto, con cada enunciado que dicen el papá o la mamá, qué es lo que pretenden con esas palabras, qué es lo que quieren de sus hijas, porque es muy fuerte, las estrategias que tienen los personajes para poder cumplir sus objetivos. Hay un texto de la mamá que dice: Mírame a mí, si no me hubiera divorciado de tu padre, ahorita no necesitaríamos de él, no necesitaríamos su dinero. Si no hubiera dejado la carrera, no estaría necesitando de tu padre. Me parece bastante violento que se lo diga una madre a su hija, porque deja ver cuál es la mentalidad de esta mujer, la mentalidad es: A mí no me importa lo demás, tu papá me tiene que mantener, aunque ya no estemos juntos. Y con esa mentalidad educó a sus hijas.

Creo que este texto y todo lo que estamos mencionando, para mí es como vamos buscando como individuos nuestro único bienestar, no nos importa pasar sobre los demás y esto a grandes escalas, a otros niveles, cuando a una persona con esta educación, con estas emocionalidades, con estas facturas emocionales, con este nivel de pensamiento, le das un poquito de poder, y se convierten en genocidas, que no saben, no conocen límites y no les importa, porque lo que ellos quieren va más allá de matar a toda una población. Como lo están haciendo en medio oriente, de mandar, deportar y separar familias como lo están haciendo en Estados Unidos.

Este retrato de esta obra, a mí me parece bastante importante, bastante necesario porque esas son las personas con las que convivimos en la sociedad, son a los jóvenes que estamos educando, y es nuestra responsabilidad como padres y madres tratar de cambiar eso, este simplemente es un retrato de lo que es nuestra sociedad, por eso me interesaba mucho montar este texto, transitarlo, porque creo que es bastante fuerte y bastante necesario.

Sí, es gravísimo lo que se plantea. Es obvio que no debe haber sido nada fácil llegar al resultado que obtuvieron.

No, sí fue una chambota la verdad, pero hay algo que me encanta de la escena, que es cuando el propio montaje te habla. Yo tenía claro que mi trabajo como director es llegar con las ideas y las propuestas y el entendimiento de lo que quiero, de lo que quiero compartir, del concepto, platicarlo con las actrices, desmenuzar texto, personajes.

En dirección escénica yo tenía cierta claridad de la primera mitad de la otra, y tenía todavía mis dudas hacia el final, pero eso es algo bien bonito. Conforme fuimos avanzando en los ensayos yo llegué con mis dibujitos y mis mapas. Aquí va a suceder esto y esto, probemos, ustedes muévanse y transiten lo que les estoy proponiendo, si hay algo que ustedes quieran proponer evidentemente siempre es bienvenido, y vamos tomando decisiones.

Pero de la mitad hacia adelante, me di cuenta que la obra, voy a sonar quizás muy romántico, pero ya te habla solito el propio montaje y te va diciendo que es lo que necesita. Y es más fácil ya con todo ese armatoste inicial, empezar a darle un final, que afortunadamente pasó en este caso, es como, vayamos siguiendo la línea que ya construimos y se va a dar solito. Afortunadamente pasó.

Acá fue mas claro y mas sencillo y también algo que me repetía en ensayo con ensayo es, Daniel recuerda, menos es más, no vamos a pretender cambiar el mundo, no queremos descubrir el hilo negro, simplemente queremos contar esta historia y lo principal es contar la historia. Tenemos que darle esa claridad al espectador.

Estoy muy contento con el resultado, la verdad es que todo embonó de una manera muy bonita, y cuando ya se sumó la iluminación de Edgar Mora, me parece que la iluminación está muy chida porque tiene estos clarosocuros que nos van llevando hacia una película de terror, con unos ambientes que dices, Esto se está poniendo más tenso, más turbio, sórdido. Justo con todo esto, yo pensaba que el diseño sonoro, que también hice yo, vaya un poquito transitando por ahí, como con pequeños rompimientos, entre fársicos pero que desentonan un poco y el final llevarlo hacia eso, como si fuera una historia de terror. No como si fuera, lastimosamente es lo que vivimos allá afuera en muchos lugares de este país, ya no me voy a ir al mundo, ya sabemos qué es lo que está pasando, pero en muchos lugares de este país se vive en situaciones de terror absoluto.

Esto que mencionas de la mitad, ¿qué hay que te quedaba clara la primera parte pero la segunda no. Qué las separa?

En la manera en la que yo abordo la dirección escénica, el trazo escénico, es tener claridad de que quiero para donde se muevan, también tengo la fortuna de ser actor, entonces tratar de entender desde mi ser actor, cómo yo resolvería esos tránsitos, esas acciones. Entonces desde ahí parto, yo estructurando y haciendo mis mapas en mi libretita, mis anotaciones, mis trazos, de, aquí está el módulo uno, módulos dos, módulo tres, este pasará acá, y hago dibujos, hago mi storyboard que me ayuda a tener claridad mental de lo que quiero ver, probar y ver si funciona, si no funciona pues cambiar.

Ya hacia la mitad me di cuenta cuando estaba trabajando eso, de, Esto que estoy proponiendo en papel, en mi trabajo del día a día en el montaje, no me estaba convenciendo del todo, entonces lo que yo necesitaba era ver toda la transición, ver las escenas, cómo iban avanzando, avanzando, avanzando, llegar hasta ese punto que íbamos como a la mitad y decir, No necesito ya sentarme a dibujar, más bien necesito ver dónde están los personajes, cómo van transitando y qué es lo que necesita cada escena, pero ya a nivel práctico, no sentarme a escribirlo. Eso fue lo que me sorprendió en este caso, darme cuenta que solito el montaje me estaba hablando de cierta manera, toda la siguiente parte de la mitad hacia adelante, que es cuando llegan a la escena del súper Axel para adelante, ¿qué es lo que necesitamos?, ¿qué es lo que necesita la obra hasta este punto?, ya no poner lo que yo quería ver. Eso es a lo que me refiero, entonces solito fuimos diciendo, pongamos este módulo de esta manera, sí paramos este de esta otra manera, y darle ese sentido. Si van transitando por las calles, esta es la esquina de la calle, te metes por aquí y sales por acá, y verlo ya en vivo era como de ¡Claro,! eso funciona. Eso es lo que necesita esta escena, porque yo tenía otras ideas de cómo los módulos se iban a mover, pero me di cuenta que no me estaba llenando y no me estaba funcionando. Eso fue lo que yo descubrí.

Termina siendo un laberinto y uno va de la mano con ellas, que además a partir de ahí es cuando se empieza a tornar en una película de terror.

Justo le decía a las chicas de la escena 1 a la escena 18, 19, es una historia, de la 19 en adelante, son 24, 25 escenas vamos a ir transitando hacia ese horror. También le decía al iluminador, estoy tratando de hacer esa división para que nosotros tengamos esa claridad. Hacia dónde estamos llegando en un punto, y hacia dónde se tiene que dirigir la obra a partir de este momento.

Lo del laberinto por ejemplo sí me costó un poquito más porque decía, quiero dejar claro que van caminando y que van progresando por las calles de, y al tener tres elementos simplemente decía, si yo me pego al módulo y hago esta pequeña acción, no exagerándola, simplemente transitándola, les decía, todo esto va a funcionar sí o sí, a medida de que ustedes generan esas imágenes con su actoralidad. Si tú lo estás viendo, yo lo voy a ver, entonces trabajemos hacia allá, porque la acción va a quedar muerta si tú no la llenas con tu actoralidad, entonces era ese énfasis. Y tratar de ayudarles a las actrices, yo lo que estoy viendo como director, estas llegando a un callejón que está muy angosto, entonces tienes que pasar. Ah, okay. Va. Fue como ir definiendo esas imágenes en equipo.

Llegado el final, uno se resiste y quiere despertar de la pesadilla. Te felicito, gran trabajo, grandes actuaciones, que lástimas que sea una temporada tan corta.

Fueron nueve funciones nada más. Estrenamos en mayo. La idea es moverla, seguir trabajando para llevarla a otros lugares, meter convocatorias. Todo lo que se pueda dar.

De verdad me parece un trabajo enorme, muy modesto y en esto radica sus grandeza también.

Sí muy modesto, porque el teatro independiente lo levantamos con 3 pesos… …pero no requiere de más… …lo que les decía a ellas es, A ver, lo que tenemos que contar es la historia, ¿Qué necesitamos para contar la historia?. Definamos nuestra escenografía. He tenido la oportunidad, como actor, de poder transitar en obras que con una silla hacemos maravillas. Entonces decía, Aboguemos a contar la historia, más que a tener la producción.

Lo que si les exigía a ellas, y les sigo exigiendo es, Todavía podemos mejorar, tenemos que profundizar más los personajes. No nos podemos bajar de donde estamos, porque la obra así lo requiere, es una petición mía, porque si no, la obra no pasa.

Cuando estábamos a punto de estrenar era como, Chicas. No les creo. Más, tienen que trabajar más las imágenes. Algo que sí considero es que siempre que nos subimos al escenario hay que exigirnos, hay que exigirnos mejorar, mejorar, porque podemos. Sobre todo porque el público está pagando para eso. Y me da mucho gusto que te hayas llevado una buena sorpresa con esta otra.

MazTeatro es un colectivo de teatro fundado en 2024 por los artistas Ángel Abundis y Nattz Landaverde, con la intención de ofrecer un espacio para la reflexión y la creatividad en el ámbito teatral. Nació de la necesidad de presentar obras de calidad y brindar una plataforma para talentos emergentes, buscando ser un espacio donde las voces de los nuevos dramaturgos encuentren su lugar en el escenario. Su primer estreno fue la obra Sueño suicida de una mano, escrita por el dramaturgo Javier Márquez. Se presentó bajo el concepto Azoteatro_Teatro mirando las estrellas, en la Terraza Mr.Lionso en Mazatlán, Sinaloa, el 26 de octubre de 2024.

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