Me regresa a cierto lugar donde empezó mi amor por el teatro. Texto y fotos: Salvador Perches Galván.

Nacida en 1986, Alice Birch es una dramaturga y guionista británica. Ha escrito varias obras, entre ellas Revolt. She Said. Revolt Again, (Rebelión. Dijo ella. Rebelión otra vez) por la que recibió el Premio George Devine a la Dramaturga revelación más prometedora, y Anatomía de un suicidio, por la que ganó el Premio Susan Smith Blackburn. Birch también fue guionista de la película Lady Macbeth y ha escrito para series de televisión como Succession o Normal People.

El carácter feminista de la dramaturga, se observa de manera patente en los controvertidos temas que propone en sus obras. En Rebelión. Dijo ella. Rebelión otra vez (2015), plantea una  dramaturgia “revolucionaria”, un manifiesto contra el sexismo, que presta especial atención a la capacidad del lenguaje para estructurar nuestra manera de vivir en el sistema patriarcal, al explorar el vínculo entre neoliberalismo y postfeminismo. Otra de sus obras más polémicas, We Want You to Watch, (2015), escrita junto con la compañía Rashdash, trata sobre la pornografía desde una perspectiva  crítica feminista. En 2023 estrena la miniserie Dead Ringers (Inseparables), creada y dirigida por ella, en la que trata cuestiones en torno a la salud de las mujeres, la maternidad y el embarazo, la violencia obstétrica, el aborto o la  gestación subrogada.

Más allá de los temas, su mirada feminista se trasluce también en los equipos creativos con los que trabaja. Ejemplo, Birch escribió Blank, (2019) para la compañía Clean Break Theatre, dedicada a la lucha por la mejora de condiciones de vida de las mujeres en el sistema judicial penitenciario. Ha colaborado de manera recurrente con la directora feminista Katie Mitchell, como en el monólogo Ophelia’s Zimmer, (2015), o en una versión escénica de Live cinema, a partir de Orlando (2019), la novela homónima de Virginia Woolf. De hecho, esta misma directora fue la encargada de llevar a escena Anatomy of a Suicide, en el Royal Court Theatre de Londres en 2017.

Como rasgo significativo de la escritura de Birch, cabe destacar la búsqueda incesante de una forma dramática apropiada para el contenido a  tratar  en  cada  uno de sus procesos dramatúrgicos: Necesito pensar en ello durante mucho tiempo y esperar a que la forma y el contenido se alineen lo más cerca posible antes de que pueda empezar, declaro en 2020.

Esta preocupación se enmarca en una tradición de escritura contemporánea comprometida, intempestiva, que presenta la necesidad de generar un dispositivo singular, para cada obra. Profundas investigaciones tratan de generar una estrecha vinculación entre el contenido, la forma y su visión del mundo.

En Birch, se intuye un afán de perfeccionismo en su aproximación al texto dramático: le preocupa la imposibilidad de que lo escrito alcance la excelencia de la idea que se va fraguando en su cabeza.

¿Cuál es la relación entre el contenido y los aspectos formales, estructurales y estilísticos presentes en Anatomia de un suicidio (2017)?, ¿Qué particularidades presenta esta relación? ¿Se podría clasificar  este texto como una dramaturgia fragmentada dada su composición formal?

En primer lugar habría que revisar la perspectiva feminista de los procesos de creación de Birch, en particular de Anatomía de un suicidio, y su relación con otras  escrituras, tratando de comprender tanto sus influencias como su singularidad.

El análisis de la temática de la maternidad y la herencia transgeneracional del  suicidio como de los recursos formales que Birch ha trabajado para la dramaturgia, planteando cuáles de estos se acercan y cuáles se alejan de las llamadas, dramaturgias de la fragmentación. De esta manera, se puede esclarecer cómo se da la vinculación entre el contenido y la forma, algo crucial en el proceso de creación de esta autora, tal y como ella misma declara.

Cabe destacar la importancia que Birch le confiere al uso preciso de las palabras en la composición de sus obras. Esta cuidada consideración hacia el lenguaje y su poder, se encuentran en dramaturgas como Caryl Churchill o Sarah Kane, autoras en estrecha vinculación con la escritura de Birch. De hecho, se observa la relación con la escritura de Churchill en la primacía del lenguaje y el ritmo sobre la emoción en Anatomia de un suicidio. De igual manera, se puede apreciar la influencia de Sarah Kane, especialmente en relación con 4.48 Psychosis (2001), obra que también aborda la salud mental y el suicidio. De hecho, Birch considera que de manera subconsciente la obra de  Kane puede estar en diálogo con su dramaturgia, así como con otras escritoras que le apasionan como Sylvia Plath, Virginia Woolf o Anne Sexton. A este respecto, parece destacable la vinculación de Anatomía de un suicidio con el poema Tres mujeres (2013) de Sylvia Plath. En ambas se transmiten el deseo y los obstáculos de la maternidad atendiendo al ritmo y al lenguaje, con imágenes cargadas de violencia.

La brutalidad con la que Birch trata el tema de la maternidad en Anatomia de un suicidio, resulta impactante al ser la primera obra que escribió poco después de dar a luz a su primer hijo. Sin embargo, aunque no tomó en cuenta su vivencia personal conscientemente, la autora considera el ser madre, una experiencia vital hermosa y violenta a un tiempo: Como uno de los personajes de la obra, que dice: “Cualquiera pensaría que eres  la  primera  mujer  en  tener  un  bebé”. Caro,  mi  personaje, dice: “Bueno, me siento como si lo fuera”, porque la experiencia es un shock. Con suerte un buen shock, pero puede convertirse en algo más negativo.

Birch pone de manifiesto en sus declaraciones las tensiones que encuentra entre la creación y la maternidad. Reflexiona sobre la complejidad de combinar ambas identidades: Esencialmente, la clase de madre que quiero ser y el tipo de artista que quiero ser, están en completa oposición y eso es doloroso.

Las dificultades de la conciliación hace que la escritura de sus textos sea rápida y de noche, cuando sus hijos duermen y se hace el silencio en su casa. Anatomía de un suicidio, la escribió tan solo en cuatro semanas, si bien llevaba bastante tiempo reflexionando sobre ella, como suele hacer en sus  procesos creativos.

En torno a esta compleja, brutal y a la vez hermosa obra, conversamos con Cristian Magaloni, director de la puesta en escena.

Que tamaño de obra, me encantó… …que bueno que te gustó… …el texto que no es nada fácil, y tú puesta en escena narrando simultáneamente tres historias en distintos tiempos ,es una belleza. Afortunada y merecidamente, le ha ido muy bien en taquilla.

Sí estuvimos llenos una muy buena parte de la temporada, muy padre la verdad.

No es posible que estrenaran el 24 de mayo y en menos de un mes cierra temporada, es absurdo.

Si, no nos dio el efi para más, no nos dieron más tiempo, tampoco se pudo en el Helénico, pero bueno, ni modo, así pasa.

Supongo que la moverán, no es justo que un portento como este, de cuatro semanas de funciones y se muera.

No, queremos que viva, pero a ver cómo nos va, a ver a quién le gusta para que nos jale.

Yo creo que le ha gustado a todo mundo.

Hay gente que no le gusta, pero es normal.

Platícame cómo se gesta, tú y Ana Kupfer, su brillante productora, han hecho una mancuerna perfecta.

Sí Ana y yo ya llevamos muchos años trabajando juntos, nos entendemos a la perfección, es una genialidad Ana. Para mí, gran compañera de viaje en lo teatral y hemos hecho una mancuerna padre,

Y este es un proyecto que llevamos muchos años intentando levantar, yo creo que tenemos 4 años intentándolo, que, por naturaleza es muy complicado, un texto muy denso.

Lo leí y me acuerdo que no podía dejar de llorar, me tocó en lo más profundo, me tocó muy profundamente. Hicimos todo lo posible por levantarlo y al final nos dieron el efiteatro y conseguimos levantar 18 funciones. Se formó un elenco increíble que trabajaron como condenados y eso es parte del resultado, ensayamos poco tiempo, pero mucho, y tenemos un equipo padrísimo, es de estos proyectos donde el mismo proyecto convoca a la gente, que tiene mucho corazón, que a la gente le gusta mucho, entonces siempre pone un poco de esfuerzo de más, y eso se nota.

Y lo proyectan totalmente. Cristian, y de aquello que leíste y que te movió todo, a lo que ahora vemos en escena, de aquella primera impresión, las primeras imágenes que, supongo se crearon en tu cabeza, a lo que ahora vemos en escena, ¿qué tanto hay, o qué tanto se modificó durante el proceso de creación, al transformar un texto ,en imágenes, poderosísimas en este caso?

Ha cambiado mucho, cosa que no debería decir, pero siento que ha cambiado mucho de cómo me lo imaginé la primera vez a cómo quedó al final. Tiene más capas ahorita, en mi imaginación, en mi cabeza, que lo primero que leí, pero la naturaleza es lo mismo, que está muy bien. Lo que me maravilló de la obra, es que la misma estructura del texto estaba apoyando su tesis, este lugar sin tiempo donde todos somos consecuencia de todos, y donde todos estamos en las decisiones de todos y donde no hay un individuo, hay movimientos que se alteran unos a otros. Creo que esa es la naturaleza del texto y creo que fue la naturaleza que empezó en el montaje y que fuimos descubriendo con el elenco y el equipo creativo.

Cristian, la obra tiene capas y capas y capas y no termina. El texto es riquísimo, poderosísimo, es muy doloroso, por supuesto, y paradójicamente, la puesta en escena es muy bella, claro que uno sale movido y conmovido, toda la entraña y el cerebro alterados, para bien.

Siento que es una puesta en escena muy poderosa. Lo que escribe Alice Birch, además de la maravilla de la estructura, también dialoga súper bien, tiene una visión para lo complejo del ser humano y creo que, sí bien es un tema profundamente fuerte, siento que es un texto profundamente vital, hay muchas ganas de vivir en estas tres mujeres y hay muchas ganas de salir adelante y de hacerse un lugar en el mundo. Y Birch no toma partido por nada, el que lo lea de otra manera creo que lo lee mal, no está diciendo que todo está predestinado, no está diciendo que la cosa es genética tampoco, está viendo la cosa como es, en toda su complejidad y creo que es un portento lo que ve la mujer.

Casual o  causalmente, mientras entrabamos al teatro, Paloma Woolrich, la gran actriz, se metió en un momento a la librería y me dijo, Mira lo que estoy viendo. Un libro con la poesía de Sylvia Plath, una poeta suicida, que tuvo una vida muy dolorosa, y resulta que la obra versa sobre lo mismo.

Se menciona a Sylvia Plath en la obra, y no está en el texto de Birch. Paula Zelaya, la traductora sugirió a Plath y me pareció acertadísimo.

Claro, porque Caro, la mamá, cuando se le acerca el marido, Antón Araiza, que tienes un elenco que ni soñado, y ella lo rechaza porque no quiere tener más hijos, dice que nada más está aquí por su hija… …es fuertísimo… …si es brutal y rondaba en mi cabeza Sylvia Plath, y lo que decías, al final hay algo que la retiene, aunque lo había intentado. Estas tres mujeres, madre, Caro; hija, Ana y nieta, Ivonne, forman la raíz, el tronco y el follaje de un árbol: Fernanda Castillo, Paula Watson y Diana Sedano, sin adjetivos, para calificar sus trabajos, inmejorable tu elenco.

Sí, creo que son perfectas las tres para sus papeles, han trabajado muchísimo, han sido de una entrega y una generosidad brutal. Estoy muy feliz con mi elenco en este proyecto, muy, muy feliz. El casting ha sido un gran acierto y eso hace el 90% de la obra, que lleguen las personas correctas al proyecto correcto, a veces parece magia y a veces es pura casualidad, no sé dónde, cómo, ni cuándo se inclina la balanza, pero cuando pasa es maravilloso, y en este proyecto pasó. Creo que cada uno llegó a su lugar.

Me da mucho gusto, a Fernanda la vi por primera vez en musical, y lo hace muy bien, es excelente le llegó el boom de El señor de los cielos, cuyo personaje habían matado, también al personaje de Lisa Owen, y milagrosamente revivieron, porque ese proyecto si en estos dos portentos de actrices se caía. Otro ejemplo, Majo Pérez, que la tuviste en Indecente, que también surge del musical, y qué hora está Maravillosa en Las dos Cassandras, como lo estuvo en Indecente.

Fernanda acaba de hacer El padre y que tamaño de actriz. Me encanta que se salieron de su zona de confort para arriesgarse a hacer otro tipo de teatro, cambiar el musical y lo que están demostrando estas dos mujeres que han tenido la enorme fortuna de trabajar contigo, ambas.

Sí, admiro muchísimo a las dos, son actrices disciplinadas, propositivas, sensibles, y son de un amor por el teatro brutal, en eso coinciden mucho y me gusta el paralelismo que haces porque sí siento que hay algún paralelo entre Majo y Fer, son mujeres que aman profundamente el teatro, a la hora de entregarse al proceso van con todo, y no dejan nada en la reserva. Y, para mí, habla de un amor hacia lo que hacen increíble, es lo que más les admiro a ambas, y creo que tienen muchas ganas de seguir explorando su actoralidad a través de todos los textos, son actrices que tienen mucha hambre de lo creativo, siento yo, que tienen muchas ganas de seguir trabajando todo el rato. Ya son actrizasas, pero no llegan a un lugar de confort, y eso es muy admirable.

El resto de tu elenco es espléndido, por supuesto que conozco a Amanda Farrah, a Montserrat Ángeles Peralta y a Lucia Ribeiro no las conozco, que ambas hacen varios personajes.

Si, están increíbles las tres. Montse Ángel Peralta, había trabajado con ella en una obra y me pareció increíble trabajar, la llamé para esta obra y ha hecho un trabajo espléndido. Es una mujer de gran gracia, está tan viva en escena, es tan inteligente, tan sensible al mismo tiempo. Amanda es increíble, había trabajado con ella hace muchos años, ella me había dirigido y me dio mucho gusto trabajar con ella, es una gran jugadora de equipo, es divertidísima, ingeniosa, tiene una vis cómica padrísima, y Lucía es la única que no conocía del elenco, hicimos un casting y se quedó Lucía con el papel y ha sido una grata sorpresa, la verdad, un gran descubrimiento.

Está dando un paso gigante en su carrera, incipiente supongo.

Sí está arrancando. Yo tenía muy claro que quería una actriz mayor de edad, no quería tener a una niña trabajando estos temas y rodeada de estos temas, entonces quería una actriz mayor de edad, y Lucía se apareció así, con esa carita de niña que tiene, y al mismo tiempo la fuerza que tiene y el descaro que tiene, y creo que quedó como anillo al dedo.

Y tus actores, ni que decir, maravillosos.

Sí, están Antón Araiza, Hamlet Ramírez y Santiago Zenteno. Antón esta soberbio.

Antón es el hombre de teatro por excelencia, nadie hace más teatro en el mundo que Antón, lo admiro muchísimo, no había trabajado con él, siempre se nos había truncado trabajar juntos y está ha sido la primera vez. Hizo alguna suplencia en alguna obra que yo había dirigido, pero no había coincidido nunca que hiciéramos un proceso completo juntos y lo he disfrutado muchísimo. Es un actor increíble, inteligente, entregado, amoroso, pasional, tiene todo y tiene un callo… sabe de teatro impresionante.

Y Hamlet es igual, dos monstruos del teatro, Hamlet y Antón. Han hecho tanto teatro estos últimos años, los dos, y creo que son increíbles compañeros.

Necesitábamos gente que pudiera jugar muy bien en equipo, y todo este elenco tiene esa cualidad y es maravilloso. Hamlet es graciosísimo, divertido, es inteligente, de una ternura brutal, me encanta. Y Santi Zenteno, que no había trabajado con él, lo disfruté muchísimo. Es un actorazo, es disciplinado, obsesivo, la verdad he disfrutado mucho trabajar con él, con todos mucho, mucho, mucho, la verdad es que con los tres hombres ha sido un proceso increíble.

La obra demanda mucho al público, probablemente le cueste un poco de trabajo, aunque están los súper títulos, que aportan mucha información. En algún momento se menciona que Caro, Ana e Ivonne son madre, hija y nieta, tres generaciones, tres féminas de una misma familia, pero, de hecho, uno lo va descubriendo.

Sí, a mí me pasó así al leerlo. Igual llegar a, Mi mamá se llamaba Caro y… ¡Ah. Ya entendí todo!, pero lleva un tiempo, a mí me gusta mucho eso del texto de Alice, que trata al público de forma inteligente, también le demanda mucha atención, es una obra que demanda mucha, mucha atención, pero confía en la inteligencia de la gente, y confía en las ganas de entender de la gente, y las ganas de descifrar lo que está pasando ahí.

Tu puesta en escena es un trabajo de filigrana, es un trabajo de relojero suizo, debe tener una precisión exacta, todo tiene que caer en el momento justo porque se están contando simultáneamente las tres historias. Es una saga en tres tiempos distintos.

Totalmente. Yo siempre, desde la carpeta la definí como una sinfonía, se siente como dirigir una orquesta tocando una sinfonía, y para ello tengo un gran cómplice, ya en varios proyectos, tanto en Indecente que se llama Michael de León, que es el asistente de dirección y ha sido la columna vertebral de este proyecto. Sobre él se ha erigido esta estructura complejísima, él tenía claros los trazos de todos, tenía claros los textos de todos, era el gran titiritero de este proyecto y gracias a su trabajo creo que hemos podido hacer este ensamble tan fino y tan cerrado.

Yo normalmente soy muy partidario en las obras de dejar cosas abiertas, me gusta dejarle mucho aire a los actores en casi todas las obras que hago, me gusta que tengan espacio para agarrar lo nuevo en las funciones, aquí tienen poco espacio, porque si les das un poquito de espacio se descuadra todo, se desarticula, entonces aquí tienen menos espacio, están más constreñidos y fue un trabajo muy arduo de Michael, de los actores, ya solo de memorizar el texto, porque aparte le metimos mucha mano al texto, lo cambiábamos y lo cambiamos y lo cambiamos, pobres dieron vueltas y vueltas.

Pero memorizar este texto, solo memorizarlo, probamos varios formatos de texto para entender como hacerlo, si todo lineal, o hacer el formato que presenta Alice, que es el formato de las tres escenas en simultáneo, como en una sola hoja de papel, entonces probamos varios formatos para ver que nos funcionaba mejor para ensayarlo y memorizarlo. Y tantas sesiones de pasar el texto una y otra vez porque, claro, el actor tiene que sostener el impulso de contestar a la respuesta, crearlo, darle vida, mientras está escuchando otra escena, y hacer la parte para que no se quede congelado.

Fue un trabajo que no sabíamos cómo hacer en un principio, que fuimos descubriendo poco a poco en los procesos de ensayo, y fue muy divertido eso, encontrar nuestra manera de abordar esto que nunca habíamos hecho, ninguno. Fue muy divertido la verdad, ahora que lo pienso, y nunca había hablado de esto, pero todo el principio fue muy divertido intentar entender cómo le íbamos a hincar el diente a este texto.

Difícil pensar en otra obra como esta, es una obra muy peculiar, es todo propositiva desde el tema, el texto, el formato, es una obra arriesgada, mucho.

Sí los actores son unos arriesgados, valientes, estoy muy agradecido con el equipo que se formó porque si es un texto arriesgado, es un texto ambivalente, complicado de entender, complicado de seguir, es un texto con una propuesta muy clara y muy contundente que demanda mucho en muchos aspectos. Aventarse requería de gente arrojada y la hubo, el equipo se aventó y lo hicimos posible, estoy muy agradecido con ellos.

Desde la escenografía, es muy bella, y nos llevó mucho trabajo, trabajamos como nunca en la escenografía, dimos vueltas a una idea, la deshicimos, lo replanteamos todo. Lo volvimos a hacer, luego le dimos otra vuelta, luego regresamos a lo primero, pero lo desarticulamos. Fue mucho, mucho trabajo, Anna Adriá hizo un trabajo increíble también de muchas horas y mucho tiempo dedicado a esta obra, eso es de mucho agradecer, a Víctor Zapatero en la iluminación. Igual el diseño sonoro d, Miguel Tercero y Natalia Pérez Turne que compuso la música, les pedía una cosa, luego se los deshacía, dábamos vueltas. Hay mucho, mucho trabajo en esta obra, de eso estoy muy orgulloso, realmente todo el equipo trabajó mucho. La producción trabajó mucho, hay muchísima utilería, hay una coreografía atrás, verla desde atrás es muy, muy bonito, todo el tiempo hay gente moviéndose atrás, alcanzando objetos, cambiando actrices, colocando cosas en donde van, hay toda una coreografía atrás súper compleja, más compleja que la de adelante, a veces.

La característica de este trabajo fue hacer, deshacer y rehacer en todos los ámbitos.

Totalmente y aprender. Sí, fue de dar vueltas, contradecirse, de buscar, realmente hubo mucha búsqueda, y también lo pudimos hacer porque tenemos una productora sensible, que ama lo que hace y que realmente se preocupa de lo creativo, y nos dio las condiciones para hacerlo. Le comenté a Ana que necesitaba ensayar con escenografía en un espacio, y se ocupó de conseguirnos un espacio donde pudiéramos montar la escenografía, de que todo pudiera suceder a tiempo, siento que es de aplaudir el amor que tiene Ana al teatro, la verdad.

Es de una precisión exacta, se cierra una puerta pero se abre otra, y en ese momento cambian las luces, entran y salen actores. Y sí le demanda mucha atención al público, y que bueno, y se ve el resultado porque siendo un trabajo tan exigente para todo mundo, para ti, para tu elenco, para la producción encabezada por Ana, para los técnicos, también para el público, el público tiene que estar muy atento. De hecho es riquísimo ir descubriendo cosas, antes de que le den a uno la información. Son tres mujeres en tres tiempos distintos que empieza en 1958 y termina en el 2025, son muchas décadas, tres tiempos distintos, y que uno mismo vaya armando el rompecabezas es maravilloso. El espectador sale muy contento y muy satisfecho, pese a que no está viendo una historia bonita, no es un divertimiento.

No es nada complaciente. Aborda esa parte del teatro, yo creo que el teatro es todo, pero Anatomía de un suicidio no está buscando hacer espectáculo, es teatro que está buscando, y creo que esta obra lo tiene, y es lo que intentamos hacer nosotros también. Es una obra que ni da tesis, ni busca entretener, busca que la sigas, que te hagas preguntas y que pienses en ti, no tanto que te distraigas y eso hace este tipo de teatro.

También me gusta hacer el otro, me encanta hacer comedias divertidas, inteligentes, me encanta, me encanta. El teatro es todo a la vez, pero en este caso, este proyecto si es de esta naturaleza y no es un texto complaciente, no lo es.

Y el final es esperanzador, Ivonne está decidida a romper con esta cadena genética de la que forma parte y cuyos ascendentes eran muy diferentes, Caro era brutalmente depresiva, y Fernanda lo hace extraordinario, proyecta el gran sufrimiento, el dolor de Caro. Ana es distinta, esta llena de vida pero es autodestructiva y la escena de la tina es brutal, bellísima plástica, emotivamente, cuando Caro le quita a la niña, y se le parte a uno el corazón, también Paula Watson, inmejorable. Sale uno deshecho, pero absolutamente complacido del teatro.

Que bueno, que maravilla. Sí, siento que es un teatro que más allá de que te remueva y que sea una obra densa, porque lo es, uno sale con la satisfacción de haber visto algo que está proponiendo, que es inteligente, que te lleva de la mano. Que te puede o no gustar, siempre hay cosas y hay opiniones y hay momentos vitales, pero creo que el texto de Birch es teatro del que vale la pena montar, vale la pena que se vea y que se comente, y ver que pasa, porque lo que está pasando con el público me encanta, me encanta la reacción del público que hemos tenido. No es como Indecente, que me encanta Indecente, aquí sale pensando en sí mismo y pensando en sus cosas, y cuando una obra hace eso, me regresa a cierto lugar donde empezó mi amor por el teatro, que fue ese lugar donde me descubrí a mí mismo a través del teatro, bueno, ¡descubrirme a mí mismo!, como si ya me hubiera encontrado. Mentira.

Pero te dio pistas.

Me dio pistas exacto, me fui encontrando a través del teatro.

Tiene partes también muy divertidas, Amanda se encarga mucho de eso.

Amanda está para eso. Amanda y la niña son los respiros.

Algunas cosas de Ana también, que está medio loca. La parte donde llega Josefina a la casa, que Ivonne la corre, también es muy densa. Tiene escenas muy densas, muy fuertes, y además también plantear relaciones diversas, no tiene que ser todo igual.

Hablando del final, lo que decías antes, me gusta mucho y quería mencionar la acotación que tiene Alice Birch en el texto, que es muy bonita, que fue lo que buscamos desde otra manera, pero Alice, cuando Ivonne finalmente vende la casa, y decide soltar un poco, dice, Y la luz cambia solo un poquito. Y creo que es una acotación muy hermosa que define ese lugar tan fino que apunta Alice Birch al decir, vamos a seguir arrastrando lo que arrastramos, pero puede entrar un poquito de aire en esa habitación, puede entrar un poquito de luz en ese lugar.

Y aunque sea un poquito, pero la luz cambia.

Exacto, algo cambia, algo se mueve y la cosa se tiene que mover.

Aunque sea un poquito. Mi querido Chris,  muchas gracias, felicidades. Me encantó, sale uno diferente al ver una obra como esta.

Que bonito. Que hermoso, es lo mejor que te pueden decir. Muchas gracias.

Tres generaciones de mujeres. Para cada una, el caos de lo que vino antes trae consigo un legado doloroso. Caro, Ana e Ivonne, tres generaciones de mujeres; Madre, hija y nieta. Viven en tres líneas temporales diferentes, pero la historia de sus vidas se narra simultáneamente. Como dice la propia Birch, el texto ha sido orquestado y puede visualizarse, horizontalmente.

Anatomía de un suicidio es una mirada poderosa e implacable a una familia afligida por una depresión severa y una enfermedad mental. Presentada como un tríptico de obras interpretadas en paralelo, esta obra revolucionaria resuena en el público.

El teatro es de todos. ¡Asista!

Absolutamente recomendable. Imprescindible. Deje todo y corra a verla.

Anatomía de un suicidio de Alice Birch.

Traducción: Paula Zelaya Cervantes.

Dirección: Cristian Magaloni.

Producción general: Ana Kupfer.

Actuación: Fernanda Castillo, Paula Watson, Diana Sedano, Amanda Farrah, Montserrat Ángeles Peralta, Antón Araiza, Hamlet Ramírez, Santiago Zenteno y Lucia Ribeiro.

Escenografía: Anna Adriá.

Iluminación: Víctor Zapatero.

Vestuario: Giselle Sandiel.

Música original: Natalia Peréz-Turner.

Diseño sonoro: Miguel Tercero,

Producción ejecutiva: Angela Pastor y Mariana Calderón. 

Teatro Helénico. Av. Revolución 1500, Guadalupe Inn, sábados 19 horas y domingos 18 horas, hasta el 22 de junio de 2025.