DOSSIER. 44 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO El teatro es muy generoso. Texto y fotos: Salvador Perches Galván.

Con decir gratitud, no alcanzo a expresar todo el significado que tiene para mí la medalla Villaurrutia que hoy me otorga la Dirección Artística de la 44 Muestra Nacional de Teatro, de mi primerísima llamada casa teatral, la entonces Escuela de Arte Teatral, del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura en acuerdo con el Instituto Sud Californiano de Cultura.

Hoy para mí todo es símbolo y tiene significado especial, soy resultado de una guerra que provocó el exilio de mi padre español, que encontró refugio en este maravilloso país, y en los brazos de una mexicana que le dio tres hijos, por eso ambos me enseñaron a amar y a defender La Paz. En esta ciudad que lleva ese nombre que amo, y en donde he encontrado entrañables amistades que lo serán de por vida, es en la que recibo esta presea.

Dice una canción de Zitarrosa, ¿quién me iba a decir a mí, cómo me iba a imaginar?. Es que a los 11 años no sabía quién era el señor que daba nombre a la sala de teatro, cuyo escenario fue el primero que pisé en la vida, en la que luego, de adolescente ya, actué en la obra antibélica Madre, de Karel Čapek, ese escenario en el que tomaba nota de las comisiones con las que participaríamos en la huelga estudiantil del 68, y del que me bajó a empellones uno de los soldados que mancillaron nuestra escuela con bayonetas caladas e insultos, ese mismo escenario en el que con la guía de Héctor Mendoza jugaba con los versos del Anzuelo de Fenisa de Lope, con lo que culminaba, según lo establecido formalmente, mi carrera de actuación. Que ingenuidad, era apenas el inicio de un andar de 55 años de carrera profesional, hasta ahora, de una decisión de vida para sentirme mujer plena, por y para el teatro, cada día más convencida de la responsabilidad que conlleva ser actriz, e intentar ser congruente con lo que para mí es el teatro: Libertad, rebeldía, sentido crítico, agente transformador de conciencia, y para que eso sea, se requiere de pasión, férrea vocación, mística, rigor, entrega y autodisciplina.

Quizás estas palabras suenen ahora a vieja escuela y autoritaria escuela patriarcal, pero pienso que para dar real significado a las manidas frases de: el teatro es reflejo de la sociedad, y el teatro es un medio de expresión del ser humano, se requiere estudiar desde sus orígenes, conocer la realidad de nuestro país y del mundo e interpretarla con objetividad, sin dogmas ideologizantes de moda, políticamente correctas y complacientes para el poder en turno.

El teatro que he querido hacer en la vida me ha llevado a estudiar y conocer los contextos de las cosas, a analizar lo que quiero comunicar a otros cuando me doy en escena o en el salón de clase. El teatro es escucha y generosidad, y cuando no he sido congruente con esta convicción, me he equivocado. Así, cuando la autocrítica me regresa al redil de la esencia de nuestro quehacer, renuevo el goce de compartir lo aprendido y de continuar aprendiendo. Reconozco que me es difícil, a veces, sacar fuerza de flaqueza para sobrellevar la sinrazón de mucho de lo que nos rodea, de la violencia, la muerte, las pugnas por el poder en nuestro país, las guerras en curso en el mundo y las que amenazan con estallar, del triunfo electoral de un acosador obsceno y soberbio, de la cuenta literalmente en ceros del CEUVOZ, que encabezo, para retribuir lo mucho que recibí del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, y de la Universidad Nacional Autónoma de México para prepararme en mi carrera y que cristaliza lo aprendido de y con el teatro, como lo atestiguó esta ciudad que acogió con las autoridades de cultura, hace un año, generosamente, el 2o Encuentro Internacional de la Voz y la Palabra del CEUVOZ, con 140 almas de todo el mundo y luego de 4 años sin encuentro, que estuvieron aquí para discutir cómo mejorar la docencia de nuestra especialidad para las nuevas generaciones de teatristas.

Por esto digo que hoy todo es símbolo y tiene significado, se alinearon los astros para que en La Paz, Baja California Sur, que cumple 50 años de ser un estado de la Federación Mexicana, que conoce mis facetas de actriz de teatro, cine y docente en aula, se me entregue la Medalla Xavier Villaurrutia, que ya he aprendido quién fue para nuestro teatro, porque ella me compromete y anima a continuar mi labor como actriz y docente, a defender contra viento y marea, como se defiende Baja California Sur de los embates de la naturaleza, la educación artística, laica, gratuita y de calidad, de la voz y la palabra, para colaborar con quienes toman la estafeta de nuestro quehacer, para dar voz a quienes no la tienen, para no permitir que la guerra nos domine, y que sean el teatro y las artes las que recuperen y reconstruyan en cada persona y comunidad la paz como bandera de los seres humanos. Gracias. Muchas gracias.

Estas, claro está, son las palabras de agradecimiento de la primera actriz Luisa Huertas al recibir la medalla Xavier Villaurrutia, en el acto inaugural de la 44 Muestra Nacional de Teatro, que se llevó a cabo en La Paz, Baja California Sur, y que constituye, sin duda alguna, probablemente el evento de teatro público mas importante del país, evento en el que se puede tomar el pulso al arte escénico en nuestro país.

Esta bella ciudad ubicada en el golfo de California, limpia, ordenada, con identificación en cada esquina, civilizada, peatonal, respetuosa, albergó, en noviembre del 2024, durante 10 días, a 27 obras de diversos estados del país.

Platicamos con algunos funcionarios, con artistas y con una representante del exitoso programa Jóvenes a la Muestra.

Nueva sede, La Paz, Baja California Sur.

Por primera vez, y cumpliendo uno de los objetivos de la Muestra, de cubrir la totalidad del territorio nacional, La Paz, Baja California Sur, es sede del encuentro escénico.

Pieza fundamental para esto, lo fue Aletse Almada, Directora del Teatro de la Ciudad de La Paz, BJS.

Aquí estamos, trabajando desde el 2021 colaborando con el Instituto Sudcaliforniano de Cultura, llevando las riendas de este maravilloso teatro.

Yo soy una mujer de teatro de toda la vida. Cuando Víctor Hugo Caballero Gutiérrez, Director General del Instituto Sudcaliforniano de Cultura, me invitó a colaborar con su proyecto, creo que de las primeras cosas que le dije fue: hay que traer la Muestra Nacional de Teatro, y nos costó 3 años de gestión frente a las autoridades estatales y federales desde luego, para que pudiéramos concretarlo. Y estamos muy contentos porque tanto el Gobierno del Estado de Baja California Sur, como la Coordinación Nacional de Teatro y el INBAL se mostraron muy interesados y vieron la importancia que tenía que, por primera vez en la historia de la Muestra, y por primera vez en la historia de este estado, tuviéramos un evento de esta magnitud, además, en el marco de los 50 años de la conversión de Territorio a Estado de nuestro precioso Baja California Sur.

¿Qué implicó, qué requerimientos se tienen que cubrir, para que un estado, una ciudad, un municipio, sea sede de la Muestra?

En principio, mandamos una carta de intención, se hace una visita para conocer recintos, cuáles son las condiciones en las que están los espacios en los que eventualmente podría suceder la Muestra, y, afortunadamente la Coordinación se mostró muy sensible y muy comprensiva respecto a la falta de infraestructura teatral que hay en nuestra ciudad y en nuestro estado y eso no les mino el interés, al contrario, pensaron en lo importante que es venir y detonar este tipo de actividades, este tipo de instalaciones.

La verdad es que la Coordinación ha sido muy generosa, nos trajo toda la tecnología de última generación para poder llevar a cabo en espacios que no están equipados, pero que eran espacios dignos también de tener una Muestra Nacional de Teatro, y ha sido una complicidad y una gran sinergia, primero con Daniel Miranda, y después con el maestro Luis Mario Moncada que siempre han tenido la disposición de saber que justamente acá, donde parece no haber nada era muy importante que se hiciera.

La ciudad cuenta con dos teatros en toda forma, el Teatro de la Ciudad y el teatro Juárez, y espacios alternativos. Como se hace en la Ciudad de México, las casas son invadidas por el teatro, igual que espacios públicos, lo más importante es la buena voluntad, el talento, como lo vimos en la Casa de Cultura, o el Centro Municipal de las Artes.

Que está retirado, pero sigue siendo La Paz, que, además, el proyecto del Centro Municipal de las Artes es muy interesante, porque su esencia consiste, justamente al estar al sur de la ciudad, en un barrio donde el desarrollo cultural era súper necesario, y ahí está, enclavado en esa zona. Es básicamente una escuela de arte, donde se imparten clases de diversas cosas, además donde se hacen otro tipo de actividades culturales que no son necesariamente artísticas, pero que se está fomentando ahí la práctica de muchas cosas que tienden siempre al desarrollo comunitario.

¿Hubo actividades en otros municipios, fuera de La Paz?

No, el municipio de La Paz es la única sede, pero sí que salimos a la delegación de Todos Santos que es municipio de La Paz, fuimos a esa delegación porque además ahí tienen un teatro histórico maravilloso, que es el teatro Manuel Márquez de León, que además tiene una historia muy bella de cómo se construyó ese teatro ahí, y tienen el Centro Cultural Néstor Agúndez que también tiene una tradición muy importante, sobre todo por la figura que fue el maestro Agúndez que le dio muchísima vida cultural a ese pueblo, que hoy es un pueblo mágico.

Imposible estar en La Paz y no pensar en el mar, también las playas han sido escenarios teatrales.

Desde luego y eso nos parece muy bonito porque es como ver ahí el escenario natural, lo que la naturaleza nos ha regalado a los sudcalifornianos, que es un regalo de la vida definitivamente, y que es muy hermoso, que distintas compañías hayan visto en nuestra bahía de La Paz una posibilidad de hacer arte, de hacer poesía del teatro y se presentaron cosas muy importantes, muy interesantes ahí, acudiendo al recurso de la playa, de la arena, del mar y además nuestro mar bermejo, que es único en el mundo, junto con la costa azul de Francia, que le da un marco muy bonito a las actividades de la muestra.

Y actividades alternas, al margen de la programación de obras, que es el gran atractivo, está la feria del libro, conversatorios, lecturas dramatizadas, presentaciones editoriales. el jam de dramaturgia, que se llevan a cabo en otro tipo de espacios de la ciudad, y que son de gran atractivo, y que bueno que también se invadan del arte escénico.

Por supuesto, ha sido muy gratificante para nosotros como Instituto Sudcaliforniano de Cultura, ver como la Muestra va a todos los recintos y como la teatralidad y el fenómeno del teatro no es solamente irnos a sentar a una butaca a ver un espectáculo, sino que hay estos espacios de reflexión, de análisis, de una serie de cuestiones y de situaciones que vive la comunidad teatral y que es muy importante hablar de ellas y que se pongan en la mesa de las discusiones.

Además, la FELIT, Feria del Libro Teatral, para nosotros fue una bendición, la verdad, porque hay poca bibliografía teatral en el estado, y ahora ya vamos a tener una Biblioteca Teatral, hicimos por ahí una pequeña campaña para que toda la gente que viene a la Muestra nos done un libro para esta biblioteca. Entonces ya vamos a tener nuestra biblioteca, perteneciente a un proyecto llamado Escuela Estatal de Arte Teatral, dónde estamos empezando un proceso de formación de creadores teatrales.

En la feria, una persona de aquí, me decía que no es abundante la actividad literaria y mucho menos la teatral y estaba agradecidísima con la feria y con la Muestra. Creo que ese es otro de los objetivos, o debe ser, de la Muestra, lugares en donde el teatro no está muy presente, el hecho de que la gente vaya, porque han sido muy exitosas las funciones, eso quiere decir que están habidos de ver teatro, y seguramente crearán su propia actividad teatral, y se volverán exigentes y solicitarán a las autoridades competentes, que traigan teatro, que haya intercambios, y creo que eso es fundamental.

Si, desde luego. Yo siempre lo he comentado, por supuesto, sin denostar cualquier otro tipo de oferta que el mercado del entretenimiento pueda tener. Creo que sí es importante que las instituciones seamos capaces de ofrecer las alternativas para que la gente pueda conocer, formar un criterio diferente, formar un gusto estético distinto, y entonces empezar a demandar que vengan, que lo que se presente en este y en otros espacios sea, no solamente hablando de calidad, sino que tenga una propuesta que sea gratificante y sobre todo que sea verdadero alimento para el espíritu y no chatarra para el espíritu.

¿Cuál fue la contribución escénica de Baja California Sur a la Muestra?

De Baja California Sur participaron cuatro puestas en escena Las sirenas no usan falda, de un grupo que viene de Santa Rosalía, que, hay que destacar la labor que hace el director, Misael Martínez, porque, si aquí no hay nada, pues en Santa Rosalía menos, y el trabajo que está haciendo Misael, la labor que está haciendo porque se haga teatro, porque haya teatro en Santa Rosalía, la verdad es que es digno de mucha admiración.

Se presentó también Boca Ostra, Diario de mi lengua roca, de Artescena, a cargo de Katlin Arce, un unipersonal, un trabajo con mucha fuerza. Y se presentó Lola, receta para cocinar una despedida, una obra muy hermosa de un grupo de Los Cabos que se llama Radio Gorila, que tuvo una gran aceptación entre el público. Estas tres obras formaron parte de un proyecto llamado Muestra Estatal de Teatro, edición especial, en que los tres grupos contaron con un simbólico apoyo para su producción, pero contaron con el asesoramiento directo de dos grandes maestros de la escena mexicana Claudio Valdez Kuri y Christian David, de Idiotas teatro, estuvieron acompañándolos durante el proceso de creación y los resultados fueron verdaderamente hermosos. Ya los compañeros traían, por supuesto, una propuesta, traían un concepto muy trabajado, pero esta parte del asesoramiento de los maestros sirvió para enriquecer, para iluminar el trabajo. Y se presentó también una producción propia del Instituto Sudcaliforniano de Cultura, en combinación con el Laboratorio Escénico del Desierto, con los alumnos y maestros de la Escuela Estatal de Arte Teatral, con una puesta en escena muy rompedora que se llamó Fuga en octubre rojo, una obra que representa los sucesos del 2 de octubre de 1968, y que es ya un documento histórico muy importante. Las obras tuvieron muy buena recepción de la audiencia, afortunadamente, porque los compañeros han trabajado muchísimo para que así sucediera.

¿Qué esperas, qué crees que vaya a pasar en términos de artes escénicas después de esta experiencia y con la que tú tienes, estando al frente de este maravilloso teatro, que te llevó a ocupar este puesto?

Yo espero, tengo la expectativa, y era un poco, si no el objetivo, como el sueño de que la muestra sirva para la generación de públicos, para que el público vea teatro y vea este otro teatro que se hace en el país, que no es el teatro comercial, que, como decía, es válido, no se denosta, hay producciones maravillosas también, pero que se sepa que hay otro teatro que se hace en el país, lo que llamamos teatro de arte, entonces creo que es importante, y con la idea de formar públicos, y también de ganar adeptos para hacedores. Y creo que eso es algo que ya está sucediendo, ya los maestros, los directores están recibiendo mensajes de: Oye, me gustaría formar parte de un grupo. ¿Cómo le hago, dónde dan clases?, justo llegando a la muestra que empezó a suceder. Hemos evidenciado mucho el boca a boca, en donde la gente el primer día no sabía, pero el segundo ya, y cada día se sumó más gente y vinieron más personas a ver las obras de la Muestra. Y la Muestra hizo bastante ruido, entonces yo tengo la expectativa: uno, de que haya más personas interesadas en hacer teatro, y dos, que haya mucho más personas interesadas en ver teatro.

Que eso es algo básico también de la Muestra, que sea punto de reunión de los hacedores, de teatro, que convoca a los que lo hacen, los que lo consumen, los que lo programan, los que lo dirigen, los que lo escriben, los que lo interpretan.

Así es, y también está la parte de la formación de redes, del encuentro entre los hacedores de teatro de todo el país, en donde conecta el de Quintana Roo con el de Jalisco y con el de Chiapas, entonces se hace una sinergia muy interesante donde se crea una red nacional en donde yo ya sé que a lo mejor aquí no tengo un actor que necesito, pero vive en Guadalajara y entonces le puedo traer, o a alguien pueden llamarlo a dirigir a otro lado, y de eso se trata, de que la comunidad teatral de México esté cada vez más unida.

¿Cuál sería un balance de la Muestra?

Mi cara no lo refleja pero estoy muy contenta, porque estamos muy cansados, todo el personal, toda la gente que está atendiendo, es una faena de 24 / 7, y yo le he dicho un poco en tono de juego y en tono de broma, es que la Muestra es como un troll que va moviéndose, pero se movió muy bien, yo percibo en las personas que nos están rodeando, que se sienten a gusto, comieron bien, se divirtieron, disfrutaron de nuestro clima, de nuestras playas. Y los comentarios que escuché es que fue bien, cualquier cosa que hubiera podido entorpecer el proceso se resolvió de inmediato, porque siempre hay imponderables con una cosa tan grande como la Muestra Nacional de Teatro, pero lo resolvimos en lo inmediato porque queríamos que saliera muy bien. Entonces, mi valoración, es que salimos con saldo blanco, no hubo ningún tipo de cancelación, no hubo ningún tipo de incidente en el que una obra no haya podido pasar, algo que estaba pensado que pasara porque alguna cosa falló. Entonces yo creo que nos fue muy bien y además, creo que la confraternización es algo que sucedió de manera muy hermosa.

La programación me pareció muy afortunada en el sentido de que no fue agobiante, suele pasar que cuesta mucho trabajo decidirse porque hay tal cantidad de alternativas el mismo día y a la misma hora, y aquí no pasó esto, además han hecho una programación tan amable que le permitió a uno, conocer esta bella ciudad y eso es muy agradecible.

Eso se lo debemos a nuestra maravillosa dirección artística, que parece que te hubieran escuchado en el pasado, porque justo esas cosas son las que consideraron, la gente va a querer ir a la playa, además, como decíamos, no solo es ver teatro, sino también reflexionar en torno al fenómeno teatral, entonces nuestra dirección artística dijo, vamos a hacer un equilibrio, sabemos que la reina de la casa son las puestas en escena, pero también es importante que se de lo otro, y el resultado fue está programación, está curaduría de nuestra dirección artística, que la verdad, yo agradezco enormemente que justamente estos proyectos sean los que llegaron al público de la muestra, pero al público de nuestra ciudad.

Una de las cosas que es muy interesante es que en la inauguración, nuestro director general decía: Bienvenidos a la ciudad más bonita del mundo. Entonces pueden, desde luego, disfrutar de nuestra ciudad, el clima fue súper benévolo, yo de broma decía que cambie el clima de un día para otro, para estar a gusto en la Muestra Nacional de Teatro, porque una semana antes de la inauguración estaba haciendo muchísimo calor, calor agobiante, y de pronto de un día para otro ya estaba fresco. Dije, a poco no, ¡hasta el clima movimos!.

La gente disfrutó mucho, y también está la parte turística y de derrama económica, que la gente viene y gasta un poco de dinero acá, conoce, se queda con ganas de volver. Yo estoy segura que un gran porcentaje de la gente que vino a esta muestra, va a regresar a vacacionar y algunos hasta a vivir, porque esta ciudad es maravillosa y se vive muy feliz.

NUEVAS TEATRALIDADES: AUTOCONFESIONES.

En la parte curatorial, me llamó mucho la atención esto que yo denominé auto confesión, en el sentido que llegaba el artista, se plantaba frente al público y nos narra anécdotas de su vida, sin cuarta pared, el público es directamente el interlocutor. Hubo muchos trabajos similares en este formato, que puede ser desde Masa madre con una teatrista de vasta experiencia, Abigail Soqui, dirigida por Angélica Rogel, una directora muy consolidada, Lengua madre o 404 not found, Territorio cuerpa, incluso algunas propuestas de Baja California. ¿Qué opinas al respecto?, a mí esto me pone a pensar porque los jóvenes que están haciendo el teatro, necesitan otra manera de comunicarse, y lo están manifestando así.

Daniel Miranda. Director General de la MNT. Pienso que hay varias cosas, primero la Muestra es una fotografía, una radiografía de lo que está sucediendo en el país en términos escénicos, pero también en términos sociales. Para mí es muy significativo y lo voy a decir con la mayor prudencia del mundo contigo. Fue muy significativo el año 2023 encontrarme con el grupo de Jóvenes a la Muestra y percatarme, por voz de ellos, que, por lo menos la mitad manifestaban transitar por una situación de salud mental, que incluso algunos de ellos hablaron abiertamente de intentos de suicidio. Si pensáramos que este grupo de 32 jóvenes son una representación significativa de lo que es nuestra juventud en esta sociedad, estamos hablando de que la mitad de nuestra población joven está pasando por alguna problemática de este tipo, por lo tanto, lo traigo a la curaduría, y digo, es normal, es natural que habiendo estas problemáticas sin atender, la mayoría de ellas, sin tener conductos para poder atenderlo, incluso conocerlo, saberlo, entonces el teatro se vuelve una válvula de escape para eso y por lo tanto inunda de cierta manera, una programación, que no es la programación de la muestra, es lo que ves en la cartelera. Entonces ¿qué sucede?, sucede que se da como un pico seguramente y habrá que afinar ese pico porque eso no creo que se pueda sostener durante mucho tiempo, que esas sean temáticas tan recurrentes, eso tiene que ir transitando hacia otro lugar, y que regresen otro tipo de espacios poéticos, otro tipo de perspectivas en términos creativos y que eso nos permita también ver otras cosas.

Ahora, ¿cuánta gente se ve representada ahí?. Esa es la pregunta. Seguramente muchas personas se ven representadas ahí, seguramente muchas personas encuentran eco en eso, y por lo tanto es legítimo verlo en una Muestra Nacional.

Cómo resuena en otras personas, y ahí la validez de esto. Me parece muy significativo, el teatro es un arte vivo y esto es, de alguna manera, como un exorcismo en el que logran liberar sus demonios, y no nada más ellos, porque me puedo identificar y se vuelve un exorcismo colectivo. Además esto es muy significativo porque es un teatro post pandémico, y creo que ese es un elemento…

…que no hay que perderlo de vista. Yo vi una vez un comentario en redes sobre una puesta en escena, era un creador, varón y decía: ¿Y si mejor hacemos terapia?, vayan a terapia en lugar de hacer teatro.

Los teatristas no podemos no hablar de nuestro contexto, eso es muy claro para mí. Yo vengo de un contexto muy complicado, soy oriundo de Ciudad Juárez, Chihuahua, y crecí en una compañía que hablaba de sus problemáticas, de la problemática de lo que estaba pasando aquí afuera, y de lo que me estaba pasando a mí, a mis amigos. No podemos abstraernos de eso y ponernos a pensar en Moliere. Te está pasando una complicación, algo que te está atravesando aquí, y tú hablando de Moliere, eso sería una contradicción ética, moral incluso. ¿Pero cómo logramos hacer que esto que me afecta a mí, se entienda en un contexto de universalidad, es decir, cómo logro que mi problemática tenga repercusión para otros, o eco en otros?. Cuando hay un problema de obesidad por el cual yo estoy pasando y estoy seguro que muchas personas en este país están pasando por eso: hablemos de eso. Es más, la obesidad es un problema mundial. ¿En donde sí, en donde no?, ¿qué significa eso en el concierto histórico, en la vida de la humanidad?. Pienso que por ahí también tendrían que ir encontrando claves distintas para ir trayendo estas problemáticas y dialogando con estos problemas universales también, para que siga siendo poético, y siga tocando, y siga penetrándote a ti como espectador.

Alma Rosa Castillo. Coordinadora de logística. Siento que la muestra del 2024, tiene una enorme necesidad de hablar del desapego, de la pérdida, del enfrentamiento con el cuerpo, con lo que pensamos que a veces puede ser doloroso, hablar de la gordura, por ejemplo; de la muerte, Lola es la muerte, Mensajeros que obra más maravillosa.

Aletse Almada. Dirección ejecutiva de la MNT. Es digno de análisis pensar que está pasando que los artistas tienen esta necesidad de desnudarse frente al público, contando cosas muy íntimas.

Por supuesto, creo que esta es una corriente de la teatralidad que está pujando muchísimo, y que hay muchos agentes teatrales muy preocupados, pienso yo, de emplear el discurso teatral para purgar cosas personales, pero que además logran universalizar esa historia y pasar y permear al espectador y saber que esto que te pasa a ti, también me ha pasado a mí, o esto que te pasó también yo lo he podido experimentar, y entonces purgamos juntos, que es de lo que se trata, según Aristóteles, el teatro.

Abigail Soqui. Actriz. Coincido contigo absolutamente. Llegué, vi dos obras, otras dos al día siguiente, y yo decía ¡Que loco!, es lo que hay hoy en día, es el teatro que se hace ahora. Y aparte de pararse y decir: yo soy este. Ya no es venir a representar una ficción. Yo, esta persona que está aquí, me está pasando esto, y romper la cuarta pared. También me llama muchísimo la atención. ¿Esto se está haciendo en México?. Me impacta mucho eso, es lo de hoy, venir y pararnos, hablarnos, autodefendernos, auto confesarnos, la reflexión a partir de ahí. Esto de las redes sociales es como mostrarnos a nosotros mismos. Como público, no sé qué tanto nos gusta ver eso, pero si coincido contigo. Es muy interesante y también es el reflejo de lo que estamos viviendo en este tiempo, en este país.

Freddy Palomec. Dramaturgo, director y actor. Hay una cosa que no es mía, se la robé a Lázaro Gabino Rodríguez, porque me parece que es muy cierta, y yo, igual que roba el, y también se la robé yo... ...pero el chiste es apropiarse de lo hurtado... ...sí, me lo robo y me lo apropio... ...si no, se nota que es robado... ....claro, lo digo con mis palabras: Yo no niego que los problemas de Hamlet, de que le mataron al papá, de que el tío que se casó con la mamá, no dudo que sean graves y que él se sienta mal por eso, pero yo tengo los míos, pues Hamlet que resuelva los suyos, yo quiero hablar de mis problemas. Yo coincido con eso y lo suscribo también.

¿Por qué se está dando este fenómeno? supongo que tiene que ver con las mismas situaciones, las mismas condiciones que estamos viviendo actualmente, en principio. en nuestro país, todas las cosas que están sucediendo y que es necesario hablar de ellas, exponerlas, y esta ruptura de la cuarta pared, que a mí me encanta, me encanta. Siento también que hay una gran necesidad del público, que se acentuó sobre todo después de la pandemia, que tiene un gran ánimo por participar, por participar directamente con el intérprete.

El monólogo no es nuevo, no nació con el covid, así empezó el teatro, pero durante la pandemia se potencializó por obvias razones, por economía, por la proximidad, pero la cuarta pared no se rompió, se demolió.

Se demolió, ya no existe, nosotros en nuestro colectivo nunca la hemos tenido, porque nos gusta mucho que nuestro interlocutor, que además es el primero, es el que está enfrente, es arte vivo, él nos interpela, y viceversa, queremos interpelarlo también. Entonces es una cosa curiosa, es un fenómeno que, como dices tú, habría que analizarlo, ¿por qué se está dando?, pero en un ánimo, yo siento, diría, o defendería, de que prevalezca, porque la verdad creo que genera un convivio y una simbiosis tal, que es muy bonita. A mí la verdad el momento de que la gente sube y toma su cerveza y esto, lo disfruto como enano, de verdad como enano, y la gente está feliz, aunque no le toque, está feliz. Además, nos dimos el privilegio, el lujo de entregar un regalo a una chica de Jóvenes a la Muestra, que le decía yo a Camila, le decía a Marcela, que también es de Jóvenes a la Muestra. Si, le dimos un regalo en la bolsa, pero le dimos otro regalo que, a lo mejor en ese momento no fue consciente, le regalamos un recuerdo. ¿Sabes cuándo se le va a olvidar eso?, quizá nunca, yo esperaría, entonces lo de la bolsa sí, sí está bueno, claro que es un regalo, pero el regalo más grande es lo otro, ella podrá contar algún día que en la Muestra Nacional de Teatro, justo a media función, de una de las obras de la programación, le entregaron su regalo, la subieron al escenario y le dijeron: ¡Muchas felicidades! Eso es lo que a nosotros nos importa, porque el teatro siempre se ha tratado del otro Salvador, por lo menos yo así lo entiendo, no de mí, se trata del otro, y en ese otro me reflejo y entonces nos encontramos, y a partir de ahí dialogamos sobre las cosas que nos duelen, que nos mueven, que nos hacen reír, llorar, y demás. Así es.

Sofía León. Dramaturga, directora y actriz. En principio, esta muestra tuvo una curaduría hacia los públicos, parte importante de la selección de las obras fue elegir las que estuvieran cerca del público, que interactuaran, los públicos eran parte importante, y para mí estar aquí es maravilloso, no solo por la muestra, que sí, también lo es. Pero crucé el país entero, viajé de una península a otra y acabo de conocer el mar del otro lado del país, del otro lado del mundo, y yo moría por hacer eso, tenía muchísimas ganas de conocer el otro mar y estar aquí me lo permitió, y que el teatro me haya traído aquí y que un proyecto como Territorio cuerpa me haya traído aquí, es algo que nunca me imaginé y que estoy muy orgullosa y muy contenta de que haya sucedido de esta forma.

Lo que mencionas de los  unipersonales, yo creo que la dramaturgia actual, y lo podemos ver ahora en esta pequeña muestra que viene de todo el país, que los temas nos están tocando más desde lo personal, desde lo íntimo, porque mi experiencia personal es mía, pero estamos en un mismo contexto, entonces lo que me toca, muy probablemente a ti te toca, y creo que más allá del gran teatro, el de los grandes temas, está como encapsulado en: “Soy un individuo, soy un humano, siento, pienso, me está atravesando esto, ¿y a ti?”. Yo creo que mucha gente conecta con estas experiencias que son tan cercanas.

Renée Gerardo Nevárez. Dramaturga y actriz. Yo creo que hemos visto de todo, en lo personal he visto mucha diversidad de teatro aquí, en la Muestra, para mi es muy interesante poder conocer que se está haciendo, cómo se están relacionando les creadores con su territorio, con su manera de interpretar su realidad también, eso se me hace shilo.

Veo a muchas personas de mi generación, eso es bien bonito porque es un diálogo muy necesario sobre todo en el teatro, que es una disciplina que también, lamentablemente, ha caído en el acaparamiento de una generación, incluso la escuela, en los procesos formativos ha sido difícil como juventudes, como nuevas generaciones, poder acceder a espacios.

Entonces siento que eso está muy, muy valioso en esta muestra, que habemos de todas las generaciones y sobre todo hay diálogo entre nosotres y eso está muy bien.

Es muy importante escuchar todas las voces, yo creo, porque aprendemos mucho cuando escuchamos, entonces hay que escuchar lo más que se pueda.

Anitza García Palafox. Dramaturga y actriz. A mí me parece muy interesante esta nueva apertura y este repensarse también une como performer, como generación creo que hay algo en común que es querer abordar la escena, no desde esta homogeneidad que representa otras generaciones, no es que esté mal, pero creo que también hay un querer buscar cómo abordarse y también como performers cuando entramos a la colectividad es también hablar de une misme. Para mí no está separado, para mí yo ya no estoy separade, yo también, Anitza, como performer, como actriz, es persona que atraviesa cosas, le atraviesan cosas, otros gustos de repente. Está interesante este intercambio de ideas desde este lugar, desde une misme, de reconocer un cuerpo que también le pasan cosas.

También creo que es como si el teatro fuera un ser vivo que nunca deja de crecer y de alimentarse, entonces creo que se alimenta mucho de cómo escuchamos también y creo que es una buena oportunidad de seguir escuchando y de recordar que tenemos que seguir escuchando.

Ahora esto tampoco quiere decir que borre lo anterior. Supongo de que si a ustedes les ofrecen hacer Ofelia, Nora o la gaviota, no la van a rechazar.

Renée. Yo quizás sí, porque un poco mi búsqueda, o la búsqueda que tenemos las personas con las que me he entendido trabajando, son otras realidades, otras historias, otras narrativas, porque, para empezar, yo no me identifico como mujer, entonces no quiero hacer esos personajes, más bien quiero encontrar otros, crear otros personajes.

Anitza. Yo depende, porque, exacto, no se trata de borrar, sino de estar todes en lo mismo, en un ambiente de lucha también, de enriquecer. Depende de cómo se aborde el personaje, si se le da la vuelta, si hay una giribilla ahí que me haga pensar como: A mira, Ofelia también tiene que ver con esto, no solo con el personaje que se creó hace mucho, se puede volver un símbolo de otra generación, mucho más universal quizás.

Montserrat Aquino. Jóvenes a la Muestra. Estas autoconfesiones que mencionas, se me hacen poderosas.

A veces creemos que para conectar con alguna obra de teatro te tiene que llegar respecto a la técnica de actuación o el diseño escenográfico, y sí, obviamente son elementos muy importantes. Pero para empoderar la voz, a mí lo que se me hace muy poderoso es como, a través de esas historias “particulares”, todo el público, o al menos en la mayoría de los jóvenes que estábamos viendo, ¿Cómo es que yo me encuentro en este tipo de historias?, y al darse cuenta que, a través, no de una ficción, puedes encontrarte en la otra persona, mi sensación es que nos acerca a nuestro nivel cotidiano, que hace voltear a ver las historias de nuestro cotidiano, las historias que nos envuelven, y empodera también la historia de la otra persona, y a mí me hace sentir que si yo en algún punto puedo yo contar, me puedo “confesar”, también es válido porque es compartir mi voz, y que al compartir mi voz puedo conectar con otras personas, y eso también es teatro, el hecho de estar escuchando.

Pensar, esto no es lo convencional del teatro, nos hacía cuestionarnos respecto a nuestras mismas instituciones, cómo es que nos siguen enseñando teatro a partir de un teatro que ya no se hace, nos están enseñando teatro que ya está a punto de caducar. Se está transformando y creo que es un empujón para nosotres que podamos, desde nuestra trinchera, desde nuestros estados, pensar, que, de lo que vi en la Muestra se está haciendo en mi estado, que de lo que yo consumo en mi estado podría estar en una Muestra. Se abre un panorama de posibilidades, y entonces creo que al abrir el panorama de posibilidades van a surgir nuevos lenguajes, nuevas formas de conversar con el público en las próximas muestras y en las próximas creaciones qué podemos hacer en nuestros estados.

Es que eso de que vayan al psicoanalista okay, una puede ir a terapia y hablarlo y es un proceso interno, pero lo importante para mí, de que sea plasmado a través del teatro es que, como el teatro está vivo y siempre va cambiando, es un proceso en conjunto, en el que yo no me estoy guardando ese proceso para mí, sino yo quiero vivir ese proceso con ustedes y que el proceso de ustedes también se impregne en mí.

Claro ir a terapia, aparte de no ser tan accesible, no implica un reinventarse, no implica ponerse un chip de: ¿De qué manera yo puedo estar contando esto, y de qué manera puedo compartirlo sin aburrir a la otra persona?. De qué manera puedo plasmar esas cuestiones a nivel imagen, creo que es lo que un artista está buscando normalmente, ver con qué imágenes o con qué momentos, o con qué elementos uno puede transformar el pensamiento y la palabra en plasticidad y lo que involucra una puesta en escena.

Regreso a lo del teatro, para mí el teatro es muy importante porque nos hace voltear a vernos y hace que pensemos en la otra persona y que sepamos por un momento que no estamos solas, no estamos solos.

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Dramaturgia dirección y actuación Casandra Colis.

Productora: Marcela Humphrey.

Diseño y realización de multimedia: Baudi Larsen.

Alejandría colectiva. Nuevo León.

A través de sus recuerdos, Casandra narra la historia real sobre la muerte de su madre, desde sus sueños de niña. el dolor e incomprensión de su adolescencia, hasta la dificultad de ser una mujer adulta investigando la verdad sobre un caso ocurrido hace 17 años.

Alma Rosa Castillo. Coordinadora de logística.

Literalmente, el alma de la Muestra Nacional de Teatro, ¿durante cuántos años?

Esta es mi muestra número 28 y pensar que en el 20 no se hizo, si no sería la 29.

Es un récord que yo creo que difícilmente alguien pueda igualar o superar.

No, yo creo que no, y de echo es difícil superar el amor que yo le he tenido, la atención que yo le haya tenido, no solo a la muestra, fui la única jefa del Programa Nacional de Teatro Escolar, y las comunidades de los estados coincidían en la Muestra, y era como el reencuentro de los amigos porque en el programa se hacían reuniones plenarias, durábamos hasta 15 días encerrados en un lugar.

Y tú estancia permanente en la Coordinación Nacional de Teatro es el vínculo con los estados.

Así es, de la subcordinación de enlace con los estados. Yo entré en 1996, bajo la administración de Mario Espinoza, Coordinador Nacional de Teatro y Eunice Sandoval sub coordinadora de enlace con los estados.

Durante todos estos años ya me imagino la cantidad de teatro del interior de la república que has visto.

Sí, la verdad es que soy muy, muy afortunada porque he podido presenciar transformaciones de los teatristas, crecimiento, madurez. Por ejemplo, ver el teatro de Marco Pétriz desde Tehuantepec, llevarlo a la Muestra, construirle un espacio lo más parecido al original; y ver el crecimiento, no sé, se me ocurre Edward Coward, el mismo Fausto Ramírez. Veo cantidad de gente que hoy viene como director, y los vi como actores, y los vi como polizontes, además ese es mi otro papel también, como de encubrimiento, como de no me doy cuenta, como de no te veo, yo hago que no te veo, tú has que yo no te vi, y no tengo problemas.

¿Has formado parte de la curaduría?

No, yo no formo parte de la curaduría. Yo creo que la mejor escuela que he tenido de teatro es precisamente estas reuniones de deliberación, que, dependiendo de la dirección artística, sus gustos, sus líneas, pero he sido testigo, solamente testigo de estas reuniones, las preparo, las hago. A veces nos permiten opinar, muchas veces no, porque finalmente la responsabilidad de selección de una programación corresponde meramente a la dirección artística, que, de hecho, se crea estoy segura que en el 95, con el objetivo de hacer más plural la decisión y la invitación de los estados para participar en la muestra. Pero no, nosotros desde la institución no tenemos ni voz ni voto.

En esta cuadragésima cuarta Muestra se te ha hecho un reconocimiento muy merecido. Platícame de ello.

He decidido jubilarme. A alguien le decía que no me parecía justo, ni ecuánime incluso que a alguien se le reconociera por hacer bien su trabajo, por amar tanto su trabajo, que eso tendríamos que hacerlo todos los funcionarios, sin embargo, alguien me respondió, muy bonito, es que lo que tú haces no es solo amar tu trabajo, lo que haces es extraordinario porque tú misma has hecho una comunidad teatral que se respete. Porque es cierto, yo en mis primeras muestras me tocaban los foros de discusión, que eran encarnizados, era como el destazamiento de las obras y la descalificación absoluta, y después empezaron a ser más amables y efectivamente la muestra ha tenido muchas modificaciones, incluso el pretender retomar, que eso definitivamente no puede ser, las muestras estatales y regionales.

He sido muy feliz aquí y la verdad es que mi trabajo sería muy difícil que alguien, no se lo deseo a nadie, porque es estar luchando todos los días. ¿quién comió?, ¿quién no se hospedó?, ¿quién llegó, quién salió?, ¿quién quiere esto?, ¿quién se enfermó?.

Mario Espinoza. Director: Fue amor a primera vista. En 1995 nos tocó hacer juntos la primer muestra, y esa primera muestra era en épocas en que, era como el viejo oeste, eran tiempos salvajes, era la enésima crisis de la Muestra Nacional de Teatro, todo mundo se peleaba, se hacían críticas, como las que se hacen ahora, pero no como se hacen ahora, eran feroces, los de un lado se veían mal con los del otro, los del mismo estado se veían a distancia, era peligroso. Solo Alma fue capaz de conducir todo eso por la vía del amor, no es que se dejara de discutir, no es que se dejara de criticar, todo eso continuó, pero ella fue la sabia y amorosa persona qué hizo eso posible en medio de la paz. Y gracias a eso, se pudo reformar esa muestra, luego se ha reformado no sé cuántas veces, y ella siempre ha estado presente. Ella ha estado todos estos años porque tiene, sí, el don de gentes, porque tiene la manera de ser amorosa con todo el mundo, y guardar los secretos más entrañables, y de hacer posible la oposición, las contradicciones dentro de una misma comunidad. Gracias Alma.

 Daniel Miranda. Director General MNT: Sabiendo que Alma inició su proceso de retiro, la muestra no se podía quedar sin este gesto, como ella está en la organización de todo en términos de logística, está enterada de todo, tuvimos que ponerle un nombre distinto a este evento y ponerle características especiales para que ella no supiera, porque era una sorpresa para ella.

Nos parece finalmente que es recoger el fruto de algo que se ha cosechado a lo largo del tiempo. A mí en las muestras que me tocó participar yo recuerdo que decíamos hay dos cosas, los aplausos de los jóvenes a la muestra, y el aplauso para cuando mencionábamos a Alma Rosa Castillo.

A lo largo de estos años, como todo mundo lo ha mencionado, es una persona amorosa, una persona cariñosa, una persona entrañable que te recibe siempre con una sonrisa, con un gesto amable, y en esta idea de que el maestro Espinoza fue su primer amor, yo fui el último, y yo no tengo más que lindos recuerdos de estos 4 años que tuve la oportunidad de compartir con Alma Rosa. Sé que como norteños, de pronto nos decíamos cosas que a lo mejor la gente no entiende, pero siempre lo hicimos con cariño y lo hicimos con respeto, con la intención de que este encuentro que es tan vital para la comunidad del teatro mexicano, siga siendo un encuentro amoroso, que te reciba y te permita pensarlo como un espacio seguro. Yo me llevo gratos momentos, me llevo mucho cariño en mi corazón.

 Sheila Flores. Directora Ejecutiva: Me da muchísima emoción que sí lo hayamos logrado, que haya sido una sorpresa para ti, Alma, porque efectivamente no nos podíamos ir de la Muestra con un homenaje entre amigos, entre la comunidad teatral que, evidentemente todos lo sabemos los tiempos van cambiando, pero siempre tenemos en la cabeza que la gran mayoría de aquí, son señores y si alguien representa a una mujer teatro esa es Alma Rosa. Yo te agradezco infinitamente esa apertura porque lo recordaste muchísimas veces en la coordinación, has sido tan respetuosa para esos cambios, yo no sé qué vamos a hacer sin ti, cómo le vamos a hacer, por esos tus formatos, por esos tantos aprendizajes, pero no importan los formatos si no se tiene ese temple, ese cariño. Y nos preguntábamos, ¿Hasta cuándo apapachamos a las compañías?, ¿cómo le vamos a hacer?, el apapacho que Alma nos hace a todas y a todos, de verdad con un buen gesto, cambiándose 3, 4 o 6 veces de habitación, comiendo a deshoras, o no comiendo, y siempre con una actitud positiva, una entrega que es inconmensurable.

Yo de verdad agradezco que te estés reinventando, siempre dijiste, estoy en la reconstrucción porque no habemos muchas mujeres en estos puestos, pero se está moviendo, nos estamos moviendo. Yo agradezco infinitamente también la invitación de Daniel a hacer que la muestra sea parte de la subcoordinación y que todos los equipos de la Coordinación nos sumemos, porque antes solo se quedaba en el enlace con los estados, pero como ustedes pueden ver, la Muestra es un ente vivo, cambiante y latente y no lo podríamos hacer sin el corazón de Alma. Muchísimas gracias Alma Rosa.

Alma, ¿ya ha cubierto la totalidad del territorio nacional la muestra?

No, la muestra no ha cubierto la totalidad del país, de toda la geografía, no es así, faltan como seis estados, siete, por cubrir, por ejemplo Tlaxcala, por ejemplo Puebla, no se ha cubierto, pero en esta búsqueda de las administraciones se ha hecho posible ampliar esta geografía, y una de esas apuestas es que estamos aquí, en La Paz, que es maravilloso, es la primera vez aquí, además tenemos que asumir que la infraestructura teatral no es la que quizás se podría esperar, la que tuvimos en Guadalajara, que es el año inmediato anterior, ahí hay todo, todos los foros, todos los teatros, la geografía permite que todo el mundo llegue porque es un estado del centro occidente, puedes llegar en camión, es más económico, grupos etcétera. Pero en esta cuestión de buscar cubrir nuevos públicos, satisfacer nuevas comunidades, fomentar que sigan haciendo teatro desde sus entidades, para su público, pero también con esta visión de poderlo llevar más allá, eso es la Muestra, el marco, puede sonar a anuncio, pero yo pienso que es el marco idóneo para dar a conocer tu trabajo, para que esto sea una especie de mercarte.

Sí porque a la Muestra, asiste, además del público, que, por supuesto es imprescindible, la propia comunidad, pero asisten programadores, directores, se convierte en un escaparate para dar a conocer los trabajos.

Así es, mentiría si yo dijera tal año se instaló este encuentro internacional de programadores, pero la verdad es que sí, por ejemplo, llegó a asistir la directora del Festival Mirada, de Cádiz, del Iberoamericano, etcétera. Esta constante búsqueda que el teatro mexicano también se conozca en otras muy distantes latitudes, sobre todo aquí, tejer redes entre los teatristas del país, porque ellos mismos invitan, ya no es solo el hecho de que una institución aporte, o te lleve, o te cubra, a lo mejor apoyo, pero incluso entre los mismos teatristas: Oye, tu obra me interesa, yo por ejemplo de verdad quedé muy muy sorprendida con el trabajo que vimos de aquí de Baja California que se llama Lola, que maravilla de crecimiento.

Los 32 estados se encuentran actualmente con una presencia. A partir de 2015 se creó un programa muy interesante que es Jóvenes a la Muestra, cuando nace sale como becarios. Hay una convocatoria, en aquel entonces, en 2015, eran dos jóvenes de cada entidad, o sea, eran 64 jóvenes asistiendo a la Muestra, en la actualidad son 32 y se supone que son ellos los que van a retroalimentar su comunidad diciendo, esto vi en la muestra, tenemos muchas actividades específicas para ellos y es la forma que mejor se ha encontrado para que todo el país esté aquí.

Si bien es cierto que quisiéramos que fuera más diversa la programación, o que hubiera más estados, pero a veces que un estado no participa, entonces a través de estos Jóvenes a la Muestra, se busca que esté el país entero, y actualmente se encuentra la totalidad del país desde 2015.

En la Muestra suelen convivir desde las grandes compañías, los grandes figurones, hasta el talento emergente que, literalmente, está empezando.

Si, eso ha sido, de mis mejores recuerdos, ver en la Muestra a Ludwik Margules, al maestro Luis de Tavira, cuando presentaron en Monterrey Cuarteto, portazo en el teatro, y de pronto verlos convivir con los jóvenes, con los jóvenes de aquellos entonces que hoy ya son los maestros maduros. Desfilar cantidad de figuras, simplemente podrías revisar los personajes que han integrado la dirección artística y entonces eso te da el parámetro de lo diverso que ha sido la Muestra.

Lo más más significativo de esta muestra es que hemos invadido espacios. Este es un lugar donde, supongo, que la gente no va al teatro, invadimos las calles, las plazas, el mismo mar lo invadimos con Mensajeros, que es un pasacalles y terminó justo en la playa, o con Significado de caminar una mirada, y entonces de eso también se trata la Muestra, de llegar a invadir, y que la gente empezó a formarse solita en el teatro, por ejemplo, el teatro Juárez todas sus funciones llenas y aquí no lo hubieran creído, si apostaron desde el momento en el que nos invitan. Son los más felices los funcionarios del lugar, porque es lo que yo siempre he dicho, uno llega y se estaciona, pero nuestra estación es momentánea, estamos de entrada por salida, estamos de paso, somos gente de paso, y la institución local se queda, se queda con su público, con sus instituciones, con sus relaciones, etcétera. Los veo contentos, cansados, nunca nadie me cree que la Muestra es un monstruo, están muy cansados porque es de 24 horas, pero los veo tan satisfechos de verdad, veo a Aletse tan contenta, tan puesta, tan dispuesta, tan cansada y va de nuevo, un café y va para arriba. Sí, de eso también se trata, de que la relación interna de un estado, su comunidad y su institución, también mejoren y se hagan más cercanas.

Asistir al teatro puede modificar la vida, la Muestra puede modificar a una comunidad, puede modificar la conducta de una gran cantidad de público.

Eso es verdad, es verdad, se van abriendo campos, se van abriendo caminos, se van ampliando los horizontes. Tuvimos una muestra en Campeche, y ahí sembró algo, me acuerdo muy bien, para eso se creó hasta una compañía del estado, donde no había teatro, donde la gente no está acostumbrada a ver teatro. Era tan raro, nos prohibieron cerrar, no cerrábamos, el teatro permanece abierto porque el teatro es del pueblo, y el pueblo puede entrar casi al final, salirse si ya se aburrió, no se daban boletos, nada, no a los espacios cerrados, no a la gente que no se sale hasta que termina, no, en una plena libertad.

De pronto La Paz me recuerda esa muestra que estamos invadiendo otros espacios, porque también en Campeche no había una infraestructura teatral y tampoco hotelera, porque lo ideal es que todo el mundo esté en un solo hotel, porque en otro nos desgasta mucho la logística, al comité organizador nos desgasta mucho que estén divididos: ve por los que están allá; ve por los que están acá, que nadie se sienta menos, etcétera. Si es complejo, si requiere cierta infraestructura, pero pienso que también el teatro ha crecido de esa manera, desarrollándose en espacios alternativos, y eso nos ha permitido que la Muestra llegue a otros lugares porque ha dejado un poco el formato del teatro a la italiana, el teatro formal. De verdad que he visto trabajos muy interesantes en espacios alternativos en este lugar y en Campeche.

La experiencia, el conocimiento, el equipo que tiene el centro, se pone a disposición de las sedes, llega a acoplarse y adaptarse a las necesidades y a las infraestructuras de los estados.

Yo tuve la fortuna, repito que mi primer trabajo fue con Mario Espinoza y Eunice Sandoval, y si algo nos pedían, y algo aprendí maravilloso, es el enorme respeto que debemos tener a los Estados, porque efectivamente los que vivimos en esa ciudad, yo soy orgullosamente Chilanga, pero estamos muy neuróticos, y todo es para ayer, todo es para ya, no me lo has traído. Entonces nos ponemos locos y llegas a un estado y aprendes a entender que el mundo no se va a caer, y que la tierra no va a girar en sentido contrario, va a seguir girando y no va a pasar nada, si no llega, si llega tarde. Cálmate, y nosotros queremos ya, ya, ya, ya, y aprendemos con ellos que la vida y el teatro pueden suceder de otra manera, y disfrutar mucho el tiempo, aquí aprendemos a respirar, aprendemos a mirar el cielo, que en México se nos olvida, porque todo es mirar hacia abajo, pensando qué sigue, a qué hora, rápido. Y aquí venimos a aprender con ellos, a respetar, porque finalmente este es su espacio, este es su lugar, esta es actualidad. Yo no traje a México en mi bolsillo, me quiero llevar en mi corazón a La Paz.

Masa madre

Autora: Daniela Arroio.

Dirección: Angélica Rogel.

Con: Abigail Soqui.

Nunca Merlot Teatro. Quintana Roo.

Abigail, supongo que, además de protagonizarla, tienes mucho más que ver en Masa madre.

Estoy como coordinando en la compañía Nunca Merlot Teatro, pero hay quien hace la producción, la chica Scarlett Arias, asistente de dirección, y bueno, si de alguna manera sí es parte de mi historia también.

A eso me refería, tienes una directora de lujo Angélica Rogel, pero yo pensé, creo que en gran medida nos está platicando su historia.

Sí absolutamente, como lo digo al principio de la obra, es mi historia, pero al mismo tiempo no. Hay cosas que no, evidentemente, pero hay cosas que sí. Daniela Arroio y yo hemos vivido muy cerca nuestra maternidad, ella es mi cuñada, es la esposa de mi hermano, entonces justo cuando estaba buscando un texto sobre maternidad, ella estaba en mi casa, allá en Cancún, de vacaciones, estaban por irse al otro día. Había leído cuatro, cinco textos que no eran de maternidad, esta obra se hizo con el apoyo de México en escena, era el último proyecto que metíamos, era un monólogo y nada me convencía, no conectaba con los temas que leía.

Yo quería hablar de maternidad, un día estaba en una llamada telefónica con uno de los productores, y de pronto veo que está Daniela ahí en mi casa y digo, ahorita te llamo. Le digo oye Daniela, ¿tú no tienes algo sobre maternidad?, y me dice, justo acabo de escribir hace unos meses, iba a hacer una ópera, creo, tengo un par de escenas que luego ya no se hizo nada, te las mando. Le dije, urge ¡ya!, ¿no las traes ahí, no traes el archivo por ahí?. Ella se fue a México, me las manda, eran como tres escenas, tres escenas que me conmovieron muchísimo, lagrimee y todo cuando las leí, dije: ¡Está es!. Le dije, ¿te animas a escribirla?, me dijo, ¡Sí!. Entonces la escribió pensando en mí, lo cual fue muy lindo, me pidió algunos textos en algún momento, y conoce muy de cerca mi historia, aparte de su propia historia. Hizo la investigación, ya había investigado para este proyecto que no se concretó, había hecho entrevistas, levantado testimonios sobre maternidad, entonces había mucho material, yo digo que, no muy afortunadamente, pero es la historia de muchas mamás, una historia compartida, la de la maternidad patriarcal. Es tu responsabilidad, tú así lo quisiste y a sacarlo, al 100. Ha sido muy delicioso eso.

En La Paz, en la cuadragésima cuarta Muestra Nacional de Teatro, tu presentación fue muy exitosa, lloramos, nos reímos, nos conmovimos, y sobre todo nos hizo reflexionar mucho, creo que esto es fundamental.

Me alegra mucho escucharte, de eso va, ese al final es el objetivo. Era muy chistoso porque estaba contando, ya vamos como por la 50 función, estamos llegando a la 50, estrené en mayo del 2023 y en mayo del 24 me hablaron un par de escuelas para pedirme funciones para celebrar el día de las madres. ¡Que belleza celebrar haciendo una reflexión sobre maternidad!, y di unas funciones, di cuatro funciones en un teatro como para 300 personas, el 90%, mamás. Entonces no me había pasado algo así, dar funciones para tantas mamas, era muy chistoso y muy bello como las mamás reaccionaban en ciertos momentos, pensé: ¡Claro, son mamás, ellas saben de que estoy hablando en este momento!. En ciertos detalles de la obra que a veces pasan desapercibidos, y las mamás reaccionaban, y me pasó así en las cuatro funciones, claro, se nota que son mamás. Aquí me pasó algo muy chistoso, aquí hay muchos jóvenes, se nota que aquí hay muy poquitas mamás, muchos hombres, me siento súper agradecida.

Ahí sí, por más que nosotros queramos nunca vamos a poder tener esa experiencia, pero puede haber empatía, solidaridad, de entender a nuestras madres, esposas, hijas, hermanas, sensibilizarnos.

Sensibilizar. Ayer un par de compañeros se acercaron y me dijeron: Le acabo de hablar a mi esposa. Otra me dijo: estuve pensando tanto en mi mamá que le acabo de hacer una llamada. Pensaba, Hay, que padre, que bonito. En algún momento si nos cuestionábamos: ¿y los que no son mamá?. Queríamos que llegara a abrir mucho la gama. Todos somos hijos, y no se habla de las mamás casi en el teatro, entonces me alegra mucho.

Lo que es innegable es que este es un equipo femenino y no podría haber sido de otra forma porque ahí sí la línea de comunicación es directa.

De acuerdo, y ese era el objetivo de la compañía, decíamos: Somos mujeres y tiene que ser de mujeres, y un poquito entre que sí lo buscamos, pero también se nos dio, nos vimos y dijimos ¡Lo logramos, somos mujeres!.

Qué significa para ti, casi en tu función 50, estar en la Muestra Nacional de Teatro, en La Paz?.

Lo primero que me viene es absoluta gratitud por tener esta oportunidad, y para mí también tiene un significado muy especial porque yo soy de Ciudad de México, hace 11 años que vivo en Cancún, mi mamá vive en Cancún hace 34 años, o sea, hace 34 años que yo iba a Cancún constantemente, tengo mucho ahí, entonces venir ahora a la muestra es encontrarme con compañeros, con comunidad de hace muchísimo tiempo, me parece bellísimo poder conocer, también siento que es una oportunidad donde justo se hacen lazos reales. El chico que nos viene acompañando para hacer toda la parte técnica del video e iluminación es de Mérida y lo conocimos en una Muestra, era Jóvenes a la Muestra, entonces en un momento para la gira de monólogos que hicimos, nuestro técnico a la mera hora nos canceló porque no sé qué, y una compañera dijo Edward Chan, entonces ese lazo es muy contundente. Para mi significa mucho eso, tener la oportunidad del reencuentro.

Daniela no había podido ver la obra, venimos a que la viera acá, entonces tiene como toda esa carga, ver amigos, hay mucha gente que hacía 11, 12 años que no me veía en el escenario, entonces es una gran oportunidad venir a compartir otra vez con mis compañeros que fueron de escena. Entonces tiene toda esa carga también.

Diré con convicción todo tipo de mentiras.

Autoría: Alejandro Mendicuti, Omar Robles y Héctor Jiménez.

Dirección Alejandro Mendicuti.

Con Diego Mackeprang, Emiliano González, Jorge Morales, Juan Pablo Paz, Iyari Mar, Jimena Sainz y Mafer Barrera.

Hijxs infames. Jalisco

El protagonista de esta historia es un joven director de cine que tiene miedo de olvidar, por con la ayuda de un grupo de actores, ensaya las escenas de un reencuentro con su hermana que tal vez nunca sucedió, construir la película de un recuerdo familiar, ensayarlo; volver a intentar.

Lengua madre. Diidxa’ni guxuana laanu.

Dramaturgia, dirección y actuación: Freddy Palomec

Asistente de dirección y coordinadora general: Camila Palomec.

Teatro del Tolok. Veracruz / Yucatán.

Freddy, ¿tu apellido es de origen zapoteco?

No, mi apellido hasta donde he investigado es de origen catalán. Cuando pasó todo este asunto del mestizaje supongo que por ahí viene. Palomec no es un apellido muy común en México, pero en la región del istmo de Tehuantepec encuentras a un montón, es un apellido característico de esa región, ahí si encuentras muchas personas con el apellido Palomec.

Tu eres el creador e intérprete de Lengua madre, en la obra narras su génesis, pero me gustaría que me platicaras para que nuestros lectores se enteren de qué va.

Lengua madre toma como detonador una condición lingüística que mi madre posee, mi madre es zapoteco hablante, y ninguno de sus hijos, que somos cinco, heredamos el idioma. Desde hacía mucho tiempo circundaba en mi cabeza la idea, la posibilidad de generar algún producto artístico a partir de ese tema porque me parecía que era muy importante exponer y a partir de ahí lo generé en 2021, ahí fue donde lo escribí, después la obra la tuve guardada un año porque, por cuestiones de trabajo, estuve atendiendo otras cosas, y en 2023 la montamos. Básicamente así surgió, a partir de esta necesidad que yo traía cargando desde hace tiempo, dije, si la tengo, hay que aterrizarla y de una vez llegó el momento y así lo hicimos.

Que si es una necesidad imperiosa que se detenga la desaparición de las lenguas, es tan malo como la extinción de los animales, al perderse una lengua se pierden muchísimas cosas.

Muchas cosas. Hay un texto largo durante la obra que concluye con una pregunta que es mi única aportación a ese texto largo, en el que yo formulo ¿qué perdemos cuando se pierde una lengua?, y alguien del público gritó ¡Memoria!, esa es una, pero se pierde identidad, cultura, historia, todo un universo alrededor de una lengua, que me parece que es lamentable que suceda, entonces ese es mi interés. Yo siempre he defendido, porque mucha gente dice: “Estás hablando de ti”, sí ,estoy hablando de mí, es cierto que estoy hablando de mí, pero es una cosa que resuena en muchas personas, que en ese momento les cae el 20 y dicen, yo soy un damnificado también de esa pérdida cultural, y no me había dado cuenta. Mucha gente se me ha acercado después de la función a decirme, Ahorita estoy cayendo en cuenta que mis padres hablan náhuatl, hablan totonaco, hablan otomí, maya, y yo no me había dado cuenta que yo ya no. Pero claro, como estamos tan habituados, porque el español es la lengua dominante en el país, o sea que esa es nuestra lengua materna, se ha vuelto, claro, pero lo cierto es que de origen no lo es, las nuestras eran otras, de hecho ahora hay 68 todavía vigentes o existentes mejor dicho, pero como dice el texto largo, cuando los españoles llegaron a esta tierra eran más de 150, y están desapareciendo, paulatinamente están bajando los índices de presencia de las lenguas.

Hay esfuerzos por mantenerlas, pero me parece que son insuficientes, y creo que el mayor ejercicio o la mayor herramienta que podría ayudar para que las lenguas permanezcan, es que los papás que las hablan, les hablaron así a sus hijos. No se hizo, como fue en mi caso, por un asunto de protección, mis papás quisieron protegernos de lo que ellos padecieron, y digamos que, en ese bien, a mí particularmente me parece que eso me generó un mal, porque yo sí siento que hay una parte de mi identidad que ahí se quedó como un cabo suelto.

Hay un hueco ahí.

Me parece que sí, yo así lo siento, por eso este momento cuando digo que mi mamá deja de hablar su lengua porque mi papá fallece, ahorita te lo digo me estoy controlando, pero realmente me produce mucho dolor saber eso, mi mamá habla con nosotros en español, con mis otros hermanos si habla zapoteco porque ellos si lo entienden, pero es doloroso que alguien deje de comunicarse con otras personas porque su lengua se perdió, me parece que es un gran, gran dolor padecer esa pérdida.

Se fractura la comunicación, tal vez no se pierde, pero se fractura.

Totalmente, y de a poco, Salvador, derivará en una pérdida, así empieza y como yo hay muchos, muchos otros, de inicio en nuestra familia somos cinco los hijos que dejamos de hablar, pero vienen los nietos, tampoco lo hablan, los bisnietos tampoco lo hablan y así esto se va multiplicando de manera exponencial y lo llevas a otras partes del país y es exactamente lo mismo.

Y es muy difícil recuperar una lengua que cae en desuso, como lo retrata perfectamente Ernesto Contreras en su excelente película Sueño en otro idioma, muere el último parlante de esa lengua y se murió la lengua con él. ¿No hay, un esfuerzo, un interés, un sentido de protección? para evitar discriminar a los jóvenes, a los niños, ellos crecen con el temor de ser discriminados, buleados, segregados por hablar su lengua madre.

La verdad es que mucho del material que acopié para hacer esto, es lamentable, en este tipo de teatro muchas cosas que vas recopilando para poder estructurarlo, se queda fuera, mucho, la gran mayoría se queda fuera, uno tiene que elegir y ni modo, pero la gran mayoría de las personas que entrevisté lo que refieren es que no quisieron aprenderla, o la olvidaron y no la usaban en espacios públicos, porque les daba, pena y porque sentían que cuando alguien los escuchaba en alguna oficina o algo, hablar el idioma, inmediatamente sentían una barrera hacia ellos. ¿Qué haces?, pues te defiendes. ¿Y cómo te defiendes? Te escondes, escondes esa parte de tu personalidad, de tu identidad, y es muy doloroso Salvador, ¿por qué debo esconderme de lo que soy?.

En estos días en los que la diversidad está tan en boga, es algo que yo defiendo, ¿por qué tengo que esconderme porque amo a alguien de mi propio género, por qué tengo que esconderme por ser de otra raza, por qué tengo que esconderme de estas cosas que no le hacen daño a nadie?. Es tremendo, y en ese sentido fíjate yo aquí hablo de la lengua, pero sí lo traspolas a otros temas, más o menos estoy hablando también de lo otro. El asunto de la discriminación, el sectorizar, por eso a mucha gente le resuena Lengua madre.

Obviamente el tema de los padres, todos tenemos padre, madre, entonces la gran mayoría dice, ese momento es muy, muy fuerte, cuando hablas de tu papá es una cosa que a mí me llega mucho. Varios muchachos de Jóvenes a la Muestra me dijeron, Mi papá acaba de fallecer hace tres meses, entonces yo no podía con eso. Es una cosa muy, muy padre, la verdad, lo que genera la puesta.

¿No ha habido un esfuerzo de las propias comunidades de preservar sus lenguas? se tendrían que hacer escuelas o implementar programas en las oficiales, para preservar las lenguas ¿no ha habido un esfuerzo así?

Sí sé que hay esfuerzos, por ejemplo, en la península de Yucatán si hay esfuerzos mucho más vigorosos para que el maya permanezca. De hecho, la función previa a la que dimos en la Muestra, la di justamente en Mérida, porque el colectivo tiene sede en Xalapa y en Mérida, en la Casa por la Defensa de la Lengua Maya, si hay una escuela donde la gente va y aprende Maya. Hay zonas, depende de los estados, la verdad es que para allá sí hay mucho vigor en defender la lengua y que permanezca, hay un gran número de Maya hablantes, y también, es cierto y lo sé porque camino las calles de Mérida, cuando hablan entre sí lo hablan bajito, es una cosa lamentable, pero si hay movimiento para que la lengua permanezca.

Por ejemplo, el año pasado estuvimos en Tijuana y observamos que en muchos sitios hay señaléticas que están, además del español y el inglés, con el idioma oriundo de algunas comunidades del lugar. Pero no sé, a pesar de todos estos esfuerzos que son muy loables no sé si alcance como para que los idiomas permanezcan, sigan existiendo. De hecho, me he cuestionado si en este lapso, desde que la estrené hasta ahora, ya no son 68, lo he pensado, tendría yo que investigar, a lo mejor ya dos desaparecieron. Cuando empezamos a hacer Lengua madre había cinco lenguas que tenían menos de 50 hablantes en este país, y hay estadísticas, organismos, institutos que se encargan de las lenguas originarias en el mundo, que señalan que cuando una lengua baja de 2000 hablantes, ya está en grave peligro de extinción. Entonces te estoy diciendo que cuando estuvimos investigando en este país, hay varias lenguas de las que hay menos de 50 hablantes, a lo mejor el dato que estoy dando ya está obsoleto, tendría yo que actualizarlo es cosa de investigarlo. Eso es lo que podría decirte, si hay esfuerzos, no sé si alcance, no lo sé.

Conchi León, si no me equivoco, en Mestiza Power trataba el tema.

Conchi León habla en Mestiza Power sobre las formas de vida que tienen las mujeres que allá se les llaman mestizas que se dedican a proveer servicios, la gran mayoría de ellas a las personas de clase media alta en Yucatán. Es una obra poderosísima Mestiza Power, y también habla de la lengua, por supuesto. Es que es un gran tema Salvador, de verdad me parece a mí que es un gran, gran tema y que está ahí, y en este momento hay un gran interés gubernamental, y eso todos lo sabemos, por visibilizar todas estas cosas y yo digo ¡está bien, está bueno!, pero siento que no solamente hay que visibilizarlo, hay que llevarlo a la práctica. Se supone que ya se aprobó constitucionalmente, es que no hay nada que aprobar, lo dije en la función, la Constitución dice que todos estos idiomas deberían usarse por igual en todos lados, no es así, lo cierto es que no es así, porque la preminencia del español es devastadora frente a las otras.

Como lo es el inglés en el mundo entero.

Cómo lo es el inglés en el mundo entero. Que siempre me ha parecido, por ejemplo, hablo con Camila, Camila habla tres idiomas, entonces yo que medio hablo español, y el inglés lo machaco, batallo para acceder de pronto a ciertas posibilidades académicas porque me exigen el inglés, y Camila me dice, me parece discriminatorio, la verdad, porque resulta que si no hablas el idioma global entonces ya no tienes acceso a otro tipo de educación a la que podrías aspirar por derecho propio. Así es.

Lengua madre se lee en 2 sentidos, la lengua madre, pero es la lengua de tu madre… …la lengua de mi mamá… ...y eso es bellísimo, porque a través de la obra tú rindes homenaje a tus padres, es conmovedor. En la función había una chava que lloraba a mares.

Yo la estaba escuchando, de pronto me llegaban los sollozos muy fuertes. Si, mueve muchas fibras, muchas, muchas fibras. Confieso que en la función de la Muestra, técnicamente no pude ir tan profundo porque la distancia que me da usar el micro es distinta a cuando no lo uso, pero aquí era necesario porque el espacio abierto condicionaba muchas cosas, está muy complicado y Camila que es quien rige aquí todo el asunto me dijo, ¡No, úsalo!, se entiende lo que dices, pero está el ruido de la moto, creo que toda la función hubo una música afuera, no le busquemos, úsalo, si no, vas a batallar mucho, y para que te quedes sin voz a media función, mejor no.

Volviendo a lo que mencionabas hace rato, sí esta ligadura que tiene el título para referirme a mi madre concretamente, por supuesto que es totalmente pensado y a mí me importaba mucho también poner lengua madre, y el mismo título de como se dice en zapoteco, que es una de las variantes del zapoteco, es la variante de la región de donde son mis papás, Ixtepec, porque, por ejemplo, en el pueblo de al lado Espinal, también se habla zapoteco pero en otra variante, son 68 lenguas originarias con casi 370 variables, imagínate.

Es inevitable salir pensando: ¿le he dicho a mis padres que los quiero?

El momento cuando yo refiero que me cae en cuenta que siempre llamaba a casa de mis papás, pero nunca le decía a mi mamá, pásame mi papá, nunca pasaba, a mí me sacude mucho porque cuando mi papá fallece, cuando la gente muere lamentablemente hay muchos veintes que te caen, y a mí me pasó eso, muchas deudas, te das cuenta y dices, si al viejo le encantaba platicar, ¿por qué nunca me acerqué y platiqué con él?. Sí lo hicimos, pero no tanto como yo quisiera y son cosas tan sencillas, además, tan de la vida, que dices, están ahí, solo hay que tomarlas. Efectivamente, mucha gente me dice, terminó la obra y en ese momento le hablé a mi mamá, le hablé a mi papá. Pues que padre que lo que estamos diciendo, el mensaje que estamos intentando dar, o los varios mensajes que estamos intentando dar, caen en algún lugar y esa persona lo replica hacia otros lados.

Las cosas por algo son, aquella llamada telefónica que tu papá te bromeó que dijo que no estaba tu mamá y te preguntó si no ibas a hablar con él, tuviste oportunidad de platicar, aunque sea una conversación breve… …por lo menos despedirme… …y fue la última.

Por lo menos despedirme. Ahora, quiero aclarar esto, mira nosotras en este colectivo trabajamos en esta línea, pero tenemos otros proyectos en los que sí hay una intención de hacer la historia tan verídica, que parezca que efectivamente sucedió así. Esto es una ficción, por supuesto, y yo, siempre que me preguntan les digo: No todo es exactamente igual. Está, por supuesto, modificado, hay eventos en los que yo no estuve, los estoy inventando… …en aras de una teatralidad... …si, claro, pero nuestro mayor propósito e intención es que tú no tengas duda de que esto sucedió. Si tú revisas la obra, así, rápidamente dices, yo no encuentro nada que se salgas, que digas, no, eso no es posible. Esa es una intención y pensamos que si la conseguimos.

Volviendo a este momento con mi papá, es eso, una metáfora, una despedida que no se dio, pero que hubiera estado bueno por lo menos haberme podido despedir de esa manera, ya no llegue lamentablemente, pero dije, si me hubiera podido despedir de él ¿cómo habría sido?. Esa es una posibilidad.

Teatralmente lo estás haciendo.

Paso en Chihuahua y pasó en Córdoba. Mi papá vino a la función. La primera vez fue en Chihuahua. Esta obra ha girado ya por varias partes de la república, el año pasado lo hicimos en el festival de Teatro a una sola voz, y cuando llegamos a Chihuahua a dar la función, igual que La Paz, es un lugar muy árido. Yo pregunté, ¿aquí cuando llueve?, hacia mucho calor. Dijeron, hace meses que no llueve, y estaba un sol esplendoroso y le dije al conductor: Hoy va a llover. Arrancamos la función y a la hora que digo: ¡Mi padre!, truena el cielo, Salvador, te lo juro. Fue mágico. Ahí está, llegó mi padre. Sigo la narración y conforme la voy siguiendo empezamos a oír cómo caen las gotas en el techo del teatro. Ese día llovió, y cada vez que yo mencionaba a mi papá el cielo tronaba, al final de la función Camila me dijo, ¡Mi abuelo vino!.

Algo similar ocurrió en Córdoba meses después, estoy dando la función ahí, vuelve a tronar, todo transcurre, y yo por supuesto que siempre que él aparece me refiero a él, termina la función, nos vamos al hotel y esa noche hay un temblor con epicentro en Ixtepec. Al siguiente día una crónica que hizo Pablo Krause, un periodista de allá de Córdoba, dijo, Cosa curiosa, el actor de Lengua madre… fue un halago que yo no me esperaba, tembló en Ixtepec, el epicentro fue en Ixtepec, mi papá vino. Sí vino.

¿Cómo te sientes formando parte de la programación de la cuadragésima cuarta Muestra Nacional de Teatro?

Nosotras estamos muy felices. Me parece que esta es la décima ocasión en la que yo vengo a una muestra, tengo muchos años en esto Salvador, yo soy un actor de la Compañía de Teatro de la Universidad Veracruzana desde hace muchos años, pero también desde hace 6, 7 años quise buscar un camino alternativo, paralelo, independiente, allá por supuesto que estoy muy a gusto, pero respondo a un proyecto institucional.

Pero hay otras cosas en las que siento que hay una voz en mi interior que quiere salir, que quiere expresar cosas, y a partir de ahí junto con Camila, y Valeria España que está en Mérida, dijimos, a ver, empecemos a generar proyectos, producciones en las que nosotros hablemos de lo que nos interesa, de lo que nos importa. Y entonces este colectivo que somos, es la primera vez que estamos en una Muestra Nacional, que es algo a lo que veníamos aspirando desde hace tiempo, entonces yo me siento como un debutante, la verdad, que es algo que trato de no perder, este rollo de seguir aprendiendo, querer seguir aprendiendo es una cosa que me interesa mucho. De ninguna manera pienso que lo he aprendido todo, entonces estamos muy contentas, muy, muy felices de estar aquí. Yo creo que me siento mucho más emocionado que las veces pasadas, perdón, pero tengo que decir que he venido con la compañía.

Aquí hemos venido muy cobijados por todos los esfuerzos de la Coordinación, del Instituto Sudcaliforniano de Cultura, de todos, de todos, estamos muy cobijados, pero como un colectivo independiente, pequeño, pero no menor, eso es importante, si somos pequeños, pero no somos menores, aportamos, aportamos, pues estamos muy contentas. De verdad era algo a lo que aspirábamos, ya llegamos y queremos seguir.

Regresamos a terminar Xalapa a estrenar Nosotras no podemos nadar, una obra escrita e interpretada por Camila en la que yo la dirijo. Igual, Camila habla de la región huasteca del sur del Estado de Veracruz a propósito de una cosa que su abuela le contó. Hay muchas cosas, Salvador, en la cotidianidad, que nosotras pensamos, quieren una voz que las cuente, y muchos de esos temas son bien importantes bien relevantes, y nosotras que tenemos la posibilidad de pararnos en un escenario y exponer esos universos, esos mundos, los estamos tomando, y eso es lo que queremos hacer, en lo que estamos ahora.

Siempre digo, a la gente puede gustarle, o no. Pero a mí lo que me importa es que vengan y la vean. Esto es de gustos también, entonces estoy, por supuesto, muy consciente de que no a todo mundo le gusta. Está bien, yo no me ocupo en eso, yo me ocupo en hacer lo que quiero hacer, lo demás es un volado.

Las sirenas no usan falda.

De Santiago de Arena.

Dirección: Misael Martínez Castro.

Con Catalina Meza Uciel y Ana Ruth Rosas Amador.

Grupo de teatro Trianón. Baja California Sur.

Esta obra habla de mujeres que han sido silenciadas, de una promesa de amor, sueños y deseos que se enfrentan a un torbellino de emociones, como el choque enfurecido de las olas en las rocas. Es una experiencia teatral, antecedida por un recorrido a través de una instalación poética, en la que se convoca a mujeres que aún no encuentran justicia. Posteriormente, el público se adentra a un espacio teatral, con elementos que lo remitirán al mar, con velos que dejan entrever el pasado y objeto simbólicos que describen a los personajes en su ascenso y descenso emocional.

Jodidxs 

Dramaturgia y dirección: Anacarsis Ramos.

Con: Erik Gutiérrez Otto, Daniela Luke, Lilie Khavetz, Santiago Villalpando y Daniel Berthier.

Pornotráfico CXDMX.

Anacarsis. Debo decir que Jodidxs la hicimos porque la había mandado al Mancebo y me emperró tanto que no quedó como finalista, y dije, la vamos a hacer y nos vamos a clavar en eso, pero en un principio creo que sí hubiera quedado como finalista no la hubiera montado, eso fue lo que lo motivó.

Calamardo cuando se envuelve como en arena queda como una desaparición, y del cuerpo solo queda la cara, eso lo emparentábamos con Ah los días felices, de Becket y con otra obra de Becket, que es una coreografía y fue una exploración constante de cómo llegar a ese cuerpo común y probamos en principio con muchas cosas, con el cuerpo junto, con las telas, ya una vez que empezamos a tener el elemento que fueron las telas, definimos que eso era el elemento, lo que hicimos reconociendo nuestra limitada acción en temas de composición quizá corporal, llamamos a Ricardo Daniel que es el coreógrafo y fue como: ¡Este es el elemento, esta es la línea de acción!, y Ricardo vino a terminar de componer y agregarle esta serie de variaciones, complejizó mucho las variaciones, el ritmo, cómo se desplazaba en el espacio. En un principio quizá ese trabajo arduo que podía haber hecho en solitario un poquito menos cansado, quizás, fue como cuáles son los elementos, cuál fue la dinámica, y luego llamar a Ricardo a qué terminará de complejizarlo.

Otto. Yo diría que con respecto a los materiales, el texto la verdad era casi el primero, pero tampoco tengo tan claro cómo es que lo constituimos elemento de exploración, ahora que visito el primer borrador que nos compartió Anacarsis, pienso que todo lo que quedó afuera, al final constituía la exploración en sí misma solo como provocación, en el texto original aparecía Daniel Johnston, luego una escena de solo memes que duraba 6 minutos, el meme también fue parte de la exploración corporal y escénica, incluso documental como una parte documental que hicieron Santiago Villalpando y Karla Sánchez Kiwi que ahora hace el video, aparecía Martín Acosta, como que se ponían a jugar muchos elementos que no necesariamente tenían que ver con materialidades físicas sino con una serie de elementos discursivos, políticos, autorreferenciales y demás. Pienso también que una de las consignas de exploración era vivirnos o pensarnos fuera del realismo, porque habíamos entendido el realismo como un condicionamiento de existencia en el que parece que no hay cabida para lo monstruo y no solo lo monstruo en el sentido más radical, sino lo monstruo en quienes somos nosotres como personas no binarias, como personas queer, trans neuro divergentes y demás, entonces toda la exploración estaba al servicio de eso, de cómo hacernos un espacio para existir nosotras y reivindicar nuestra existencia en lo monstruo.

¿Cómo trabajar la síntesis, porque en esos procesos de laboratorio se genera muchísimo material que resulta muy valioso en sí mismo, a veces por separado, pero como trabajar de la síntesis para lograr una experiencia que encuentra una lógica que vale la pena poner en conjunto y presentarla?

Otto. Siento que Anacarsis no conoce la síntesis, diría yo, pero bueno también de alguna manera a mí me sirve que Anacarsis lance esas provocaciones tan distendidas y ahora lo que en otros procesos hemos ido descubriendo es, Oye Anacarsis, ¿me das chance de meterle mano?, y si, al final en Pornotráfico específicamente, la síntesis es un momento en el que otra persona del equipo, que no es quien lanzó la primera provocación, se encarga de decir: esto no, esto no, esto no, también es difícil, lo veo en nuestro trabajo, particularmente con la dramaturgia de Anacarsis, como que una quiere que se quede todo, porque todo le es importante, y por eso lo puso allí. Entonces trabajando en colectivo en Pornotráfico eso, ceder la oportunidad a otra persona de decir voy a tomar tu material y voy a rescatar lo que creo yo que vale la pena rescatar. También supongo que es un ejercicio de confianza un poco radical porque normalmente les directores siguen siendo el amo del reino hasta hoy y difícilmente dan ese chance como de decir, Ustedes son mi compañía y hagan de esto lo que les plazca. Yo mayormente siento que soy la que más quiere cortar siempre, la verdad.

Anacarsis. Algo que tenemos muy claro en Pornotráfico es que seguimos trabajando las obras, de hecho en Jodidxs trabajamos como 5 meses y de repente: no tenemos una sola escena, estrenamos en un mes, y fue un mes de ¡Ya!, esto tiene que perfilarse, y entramos duro a coreografíar y tal, llegamos a un estreno en El Milagro que estuvo chido, pero fue súper caótico también y después de esas dos, tres funciones fue ver el video, trabajar entre todes, cuando volvimos a tener otra temporada trabajar un mes de limpiar, y eso lo hacemos con casi todas las obras.

También tiene que ver con el modelo de producción, el tiempo cada vez es más reducido, estrenamos y seguimos trabajando porque nos interesa que las obras sigan vivas y que nos signifiquen, entonces volvemos al salón de ensayo, después las temporadas, o cuando volvemos a tener una temporada, porque finalmente la experiencia con el público es la que nos construye. También muchas cosas las entendemos hasta que estamos ahí en escena con la gente y modificamos.

¿En este texto se puede apreciar la estructura o la base de la cual ustedes construyen su texto si hay algo de ese momento en el cual ustedes dicen, este diálogo, o esta parte se modifica, o esto se va, hay una estructura definida para empezar a hacer este tipo de dramaturgia o simplemente la estructura se va construyendo?

Otto. Si hay una estructura como tal, particularmente Jodidxs siento que en su primer versión es ensayística en todo caso la estructura sería la del ensayo y luego la escena la fue modificando hasta devenir en otra cosa, pero no sé si Anacarsis cuando escribe piensa en una estructura.

Anacarsis. Cada vez más, para reducir el tiempo de ensayos, porque no todos los procesos pueden ser de laboratorio Jodidxs fue especialmente un proceso que lo asumimos como laboratorio, entonces dijimos vamos a trabajar seis meses sin cobrar, pero también fue algo que dijimos, no lo podemos volver a hacer, a menos que tengamos un fondo para ese laboratorio, entonces todos los demás procesos de Pornotráfico han sido mucho más claros a una estructura y a reducir el tiempo en el salón de ensayos, no porque queramos sino porque no lo podemos costear.

Jodidxs en principio tuvo como técnicas, que si vienen de una tradición literaria muy específica de Virginia Woolf, de James Joyce, una cosa con el tren de pensamiento que está bastante constante y es como un sistema de apertura, al final si tiene una estructura, quizás un poco meta, entiendes que está en la cabeza un personaje, es un sistema de alguna forma como de síntesis, y ese eso es un poco lo que está presente.

Hablando de proyectos o de estéticas de compañías mexicanas o extranjeras, no que sean inspiración, pero que ustedes se sientan a verlas y que abran también para ustedes discursos que les interesen.

Otto. La primera que se me viene a la mente es Lagartijas tiradas al sol, qué es una compañía con la que Pornotráfico entabla un diálogo medio maternal, siento que son nuestres maestres, Rodrigo García fue un referente muy, muy presente en la creación de Jodidxs, Alberto Villarreal, Bola de carne.

Anacarsis. En Jodidxs hay una conjunto como de homenajes muy claros, Sarah Kane, un tipo de realismo crudo y también hay un juego contemporáneo, mucho dolor, obviamente Angélica Liddell, Rodrigo García, Villarreal, Beckett, pensábamos mucho, los Teletubbies es como una obra de Beckett, como que el tono está en otro lado, pero en realidad este sol que les manda a hacer cosas, solamente porque están sonriendo creemos que se la pasan bien pero en realidad como que les cambias dos cositas a eso y es sumamente tortuoso, y obviamente en la escena como que nos gustan mucho ciertas compañías que se plantean de alguna manera la teatralidad como un problema, o la escena como un espacio de experimentación con la imagen, se preguntan mucho para qué sirve el teatro, potencian eso. En ese sentido Lagartijas, Laura Uribe, también nos gusta mucho y tenemos mucha relación con trabajos en danza, de repente se hace esta separación un poco absurda, que es más bien una separación institucional, pero en realidad conectamos mucho con eso, con las motos Ninja, que tienen danza con mucho humor. Ricardo Daniel en específico, que hace danza documental, el colectivo AM que ya no está, pero está Nadia Lartigue y como también son cosas que están ahí entre el teatro, la danza, las artes visuales, un poco por ahí nos movemos.

Otto. Isabel Toledo siento que es una creadora que estira la liga de una manera muy radical, por lo menos personalmente para mí, es alguien a quien le sigo la pista donde sea que vaya.

Anacarsis. Laura Uribe también, bueno, nos van a quedar nombres fuera.

El texto está, desde la exploración y el espacio, con el TDA. ¿cómo fue el proceso, alguno tiene TDA?.

Anacarsis y Daniel.

¿Cómo fue el proceso, les dio hiperfocos de rato, o fue todo un hiperfoco, qué pasó?

Anacarsis. En un principio fue un texto que nació de una necesidad personal de sentirme libre con cosas que en el TDA justamente chocan con la estructura dramática. Había adaptado textos para Martin Acosta, Diego del Río, y algo que siempre me decían es, güey aquí abriste un paréntesis y te clavas en eso, y como que siempre empiezo hablando de una cosa y me empieza a interesar otra y le doy muchísima atención a eso, y luego me cuesta mucho cortar.

Entonces, en principio, el texto fue: Necesito hacer una obra donde me sienta libre con abrir paréntesis porque así pienso yo, entonces fue una obra que empiezo hablando de un tema, y abro otro, y ese tema abre otro, y luego vuelvo al tema porque así estoy un poco en la vida, y ese fue en principio el juego desde el TDA, y si, el monólogo de la mamá lo hice en hiper foco. Lo empecé una noche lo terminé en la mañana, dormí dos horas y volví ahí, de repente no lo podía soltar y hay un poco de ese juego, está sin puntuación para un poco trabajar ahí desde ese lugar, entonces como que él TDA está muy productivamente en la estructura. Un poco esa es la experiencia y luego formalmente quisimos como replicar eso, y fuimos como a lo más viejo del teatro que son estos coros, en donde fue a partir del coro que se creaba esta experiencia, como toda la primera parte con la cortina que están como saliendo. Eso no estaba marcado quién lo decía, sino que fue poner, poner, poner.

Significado de caminar una mirada.

Creación y performance: Joana Núñez, Ramiro Daniel Briones Moya, Fátima Vanessa Carrillo Mendoza, Amanda Morales, Servando Yael Ávila Álvarez, Mauri Mariscal y Juan M Pérez H.

Laboratorio de creación. Jalisco.

Una pieza escénica generada a partir del encuentro entre creadoras y creadores que hablan y atraviesan los territorios del país.

Con movimientos muy lentos y fluidos los intérpretes evocan una procesión, una manifestación y un carnaval, mientras se exploran temas de identidad, territorio y migración.

Sorteo local: Una obra para ganar la lotería.

A partir de textos de Valeria Lemus, Refugio Sifuentes Pérez, Wikipedia, Abelardo del Angel Burgos, Luz Helena Rodríguez, Eduardo Hernández y Diego Cristian Saldaña.

Autoría, dirección y actuación: Valeria Lemus y Diego Cristian Saldaña.

Autocultura. CDMX.

Valeria. Yo trabajo en la penitenciaría de Santa Marta Acatitla con la compañía de teatro penitenciario, nuestras dramaturgias no existen de manera escrita porque habemos personas de diferentes orígenes y de diferentes contextos. Entonces sentarnos a escribir era sentarnos a actuar, y luego vemos si alguien lo escribe, ese ejercicio del rigor de la acción, estábamos escribiendo en el aire y yo me identifico mucho con ese estilo de trabajo durante todos estos años. A mí me hace mucho sentido desde ahí porque apostar por eso.

Soy una tirana del tiempo-ritmo, porque puedes caer fácilmente en engolosinarte de la información, porque te divierte, porque te sumerge, entiendo lo importante de los hallazgo, por ejemplo Sorteo local es una obra que nunca va a parar de tener datos curiosos de la lotería y me parece muy grandioso que acabe la función y alguien dice, ¡Les falta esta anécdota!, ¡les falta esto otro y les falta esto!, ¿qué quiero decir con eso?, recuerdo y ubico un momento muy histórico en el que decíamos, tenemos que meter todo lo que nos está diciendo la banda de ahorita, y hubo un momento en el que nuestra obra llegó a durar dos horas, una hora 50 minutos y era en vísperas de venir a la Muestra, le decía a Diego, se van a dar cuenta que no dura una hora 20, no vamos a llegar a la siguiente función. Y en ese sentido, fuera de ese momento anecdótico y sé que Diego lo padecía de mi parte, que yo era la de ya, ya, ya córtale aquí, ya quedó claro este punto, esto último que describo creo que era el parámetro de decir, a ver, ya logramos redondear una idea.

Toda la información en la que podríamos seguir sobre lo mismo ahí, coloquialmente, creo que si sería ponerle mucha crema a los tacos, pero el documento existe, la información está viva. En nuestro mismo material tenemos nuestra dramaturgia y hacia el final del texto existe toda una área Random de diferentes soportes, de todo lo que nos han dado y de lo que hemos encontrado, entonces el texto acaba así: Gracias. Saludos. Y la página 2 es, anécdota que encontramos ayer, la anécdota de mi papá, el screenshot de no sé cuál, y entonces cuando estamos refrescando y reavivando, existe ese soporte, o existe la conversación de Whatsapp, o existe una nota de prensa, es decir, hay un repositorio para refrescar. Pero en esta cuestión de pulir dónde buscamos no sobrepasar, tiene que ver con que la idea se cierre y es donde lo vamos cerrando.

¿Estarían dispuestes a estirar la liga hasta que reviente y estemos tres días ahí en el teatro sin parar hasta que alguien gane la lotería?

Valeria. Habría que comprar billetes de lotería de los siguientes sorteos para que se sostenga la emoción del martes, del viernes y del domingo, pienso. Creo que por rituales de la buena suerte no pararíamos, pero creo que la obra es un ritual, no es un maratón. La obra es un ritual de la buena suerte y en ese sentido tienes que pasar por un proceso y luego compartir eso que acabas de generar en este teatro. Creo que en el sentido mágico de lo que estamos poniendo sobre la mesa, si implica que tengas que salir, más que secuestrar al público hasta que aquí ganemos la lotería, porque de hecho lo decimos, necesitamos repetir, necesitamos llegar a este convivio una y otra vez, para entonces tener la posibilidad de ganar el premio mayor. Probablemente nuestra apuesta, por lo tanto, tendría que estar en acumular la mayor cantidad de sorteos en cada función, más que en la imposibilidad de la fuga, y lo que prolonga en ocasiones el momento de nuestra obra, tiene que ver con la cantidad de rituales que ponemos sobre la mesa, hacia allá va la exploración.

Diego. Si nos interesa un montón la atención y la energía con el público y esa energía está tremenda, tienes que sostenerla y nos gusta mucho, en Sorteo local nos interesa la ludopatía, pero eso no está tan fácil de sostener. Definitivamente entre Valeria y yo vamos recortando esquinas para que nunca pare, o sea, generar en el público la mayor cantidad de intensidad, y siento que no se podía sostener tanto tiempo más, aunque se antoja. Cuando estás apostando te vas de largo, pero creo que también es de parte de la onda, esto se termina, pero a ustedes les queda si quieren seguir en el casino sin control durante tres días, pues ya es su rollo.

Valeria. Si, porque además, en algún punto tenemos que lidiar con el fracaso si no ganamos. Entonces ya los metimos a un viaje en el que ya soñamos que podríamos hacer si nos ganamos la lotería, entonces cuando llega a suceder que no ganamos hay un breve duelo en el que al mismo tiempo tenemos que decirles que no se sientan tristes ustedes, porque tenemos que ganar más cosas entonces eso se amarra con la intensidad.

Sk’op yu’un Antsetik Bolom, palabras de las Mujeres Jaguar.

Dramaturgia y dirección Raúl Pérez Pineda.

Traducción al maya tsotsil: Petrona de la Cruz.

Con: Sofía Pérez Serrano y Beatriz Serrano Altamirano.

Teatro comunitario de los volcanes. Chiapas / Ciudad de México.

Las historias de dos mujeres indígenas tsotsiles, una de Zinacantan y otra de Chamula, se entrelazan en un viaje en donde arriesgan sus vidas al intentar cruzar la frontera en busca de una vida mejor.

Territorio cuerpa.

Autoría: Sofía León.

Dirección: Sofía León y Rosa Aurora Márquez Galicia.

Con: Sofía León, Isa Miumiu y Cossette Carballo.

Laboratorio Reverberante, Yucatán.

Sofía, te veía y pensaba, lo que está haciendo no debe ser nada fácil. Cuesta mucho trabajo reconocer o asumir inseguridades, cuestiones tan íntimas, y lo que tú haces en escena mis respetos. Felicidades, que valiente de tu parte no creo que haya sido fácil.

No, yo llevo 10 años trabajando como actriz, formándome también, y esta es la primera ocasión que produzco una pieza propia, que la imagino, la escribo, la monto y la actúo. El proceso de investigación me tomó dos años y me ha ido dando herramientas para pararme en escena a decir lo que digo.

Expones tu verdad.

Sí, es completamente exponerla y defenderla también en algún punto, creo que con Territorio cuerpa lo que hago es proponer una postura política y poética de mi perspectiva del mundo y de mi perspectiva de las posibles utopías de cómo podríamos vivir de una manera más amable, y lo pongo en juego con la gente. Realmente, aunque yo defiendo una verdad no es absoluta y parte de la pieza es ponerla a dialogar, hacer un diálogo, decir yo pienso esto, ¿y tú? y buscar un punto en común.

Una persona del publico comento, estoy de acuerdo sobre la gordofobia, pero de eso a aplaudir y hacer apología de la gordura, es otra cosa, y él decía que era lo que tú estabas haciendo.

Yo creo que el comentario de esta persona, aunque tal vez dentro de lo que piensa diga, no, no, no, pero su comentario sigue estando dentro del marco de la gordofobia, aunque haya sido gordo, o no. No porque seas gordo la gordofobia te deja de atravesar, y es muy fácil decir, sí, está bien que se hable de ello, pero que no lo defienda.

Y justo en la obra lo digo, en la última parte les digo, quisiera no tener que aclararles esto, pero yo no estoy romantizando la gordura, no estoy haciendo apología de la obesidad, no estoy diciendo: Oigan, todos engorden lo mas que puedan, traguen pastel a montones todos los días. En ningún momento digo eso, en ningún momento de la pieza estoy hablando de ello, de lo que estoy hablando yo, es que en un mundo donde todos, todos los medios, la belleza, la salud, el éxito, el trabajo, te discriminan por existir gordo, cuando hay un montón de factores que te llevan a ese punto también: la genética, la condición social, tu entorno, la cultura, y es muy fácil decir: la persona está gorda porque se descuida, porque es un perezoso, porque es un flojo, porque se la pasa comiendo.

Pero ahí no se atraviesa la gordofobia, porque tú no sabes, nadie sabe la condición del cuerpo del otro por verle, ni siquiera un doctor que te mide y te pesa, puede decir cómo está tu estructura sanguínea, cómo estás por dentro, y entonces para mí, que haya comentarios como estos, lo entiendo y lo respeto, también entiendo que una persona gorda, o que fue gorda, sabe lo mucho que cuesta cambiar de cuerpo, sabe lo mucho que nos atraviesa.

Creo que este tipo de comentarios también nutren tu espectáculo.

Sí, a final de cuentas yo hago una propuesta, hago una provocación y la gente es libre de pensar lo que quiera, yo no les estoy dando una verdad, lo que sí estoy haciendo es decir: ¡Existo, merezco existir feliz, merezco existir libre, merezco existir en un mundo donde yo, por ser yo misma sea respetada, no agredida, no discriminada!.

Porque la discriminación es algo real, cuando en un trabajo dentro del perfil piden buena presentación, muchas veces a lo que se refieren es a tu estética corporal, en el teatro también. El perfil del estudiante de actuación es ser atlético, ninja, que salta, corra. A mí me pasó que, en la escuela, a lo mejor no me decían: baja de peso, pero sí me decían: tienes que cuidarte. Y yo entiendo, sé que debo cuidarme, pero la manera en la que se dice y el paréntesis que hay abajo de ese “cuidarte”, sigue siendo ¡deja de ser gordo!.

Es discriminatorio, eso parece un casting para modelos y no una convocatoria para estudiar actuación, es absurdo. Tu espectáculo escénicamente es muy rico, haces todo un juego con la tela enorme, sube, baja, entras, sales, invitas al público, te ayuda a hacer este juego, eso es padrísimo y todo es creación tuya. ¿Cómo llegaste a esto?.

En 2022 gane un estímulo federal de creadores escénicos donde tuve la oportunidad de hacer una investigación durante un año, durante este año estuve trabajando con distintos artistas a los que les pedí que me tallerearan, que me ayudaran a tallerear la investigación del proyecto, donde plantee la pregunta de cómo generar poesía a través de mi cuerpo y mi experiencia, cómo generar una experiencia innegablemente bella. Esa fue mi búsqueda, que, como quiera que fuera, la belleza estuviera sobre todo, y entonces estuve investigando, estuvimos jugando y dentro de la investigación fueron saliendo cosas, por ejemplo, el hecho de la tela suspendida tiene que ver con prácticas de Shibari que estuve haciendo, fui a sesiones donde amarraron mi cuerpo y lo suspendieron, entonces sentí el peso y era la comparativa. Lo que yo quería hacer con esta gran tela era que estuviera, en principio, cuando está envuelta, cuando está comprimida, tubiera primero la proporción de mi cuerpo entero, luego me di cuenta que iba a ser demasiada la tela si yo quería lograr eso, entonces quedó como una panza, como una panzota, un grumo. También dentro de la investigación busqué plantear que la gente entre en mi cuerpo, cuando estamos en el lobby estamos afuera de mi cuerpo, cuando estamos en la zona de acción estamos adentro de mi cuerpo, y como desde adentro de mi cuerpo, tú puedes conocer y escuchar el mundo gordofóbico y la media y la cultura que se pone por fuera, y cómo también puedes escucharme a mí y a mi experiencia, porque creo que muchas veces los doctores hablan de los gordos, los comentaristas hablan de los gordos, todos hablamos de los gordos, pero ¿quién escucha al gordo que habla de sí mismo, que habla de su propia experiencia, desde su propio cuerpo?, y que les habla a sus colegas, a sus amigos que también lo comparten, porque aparte algo que yo digo mucho en esta pieza es que nunca es suficiente, que el cuerpo que tengas nunca va a ser suficiente a los estándares hegemónicos de belleza que nos plantea el capitalismo, que nos plantea la norma.

Así lo fui haciendo, probando, cometiendo errores, construyendo la dramaturgia al mismo tiempo, escribiendo ensayos, escribiendo bitácoras, probando. Todo esto lo construí en el Centro Cultural Tapanco, que es un espacio en Mérida, donde hice residencia, entonces podía ir a la sala a ensayar y construir.

¿Estás contenta con el resultado?, ¿te gusta lo que presentaste en la 44 Muestra Nacional de Teatro?, que es un logro inmenso.

Gracias. Yo sigo sorprendida de como Territorio cuerpa se ha abierto camino asimismo, obviamente yo estoy ahí, pero pienso que el proyecto me ha rebasado a mí, de manera personal, como que ahora es un ente que vive por sí mismo al que me toca a mí mover, guiar y continuar moldeándolo.

Estoy contenta con el resultado. De la investigación, lo que pasa es que la investigación ha sido muy grande, entonces tengo muchísimo material, y para mí siempre es como muy triste porque tengo tanto material que quisiera meter ahí, pero tampoco puede ser demasiado largo. Entonces el material que he seleccionado para estar me gusta, una de las cosas que me planteé era que yo quería que fuera una pieza interactiva, donde siempre hubiera ternura aún en lo más confrontativo, aún en lo más incómodo, que hubiera cuidado y hubiera ternura. Y creo que la hay, creo que es un ambiente en donde se logra, donde la gente también entra con las armas abajo desde el primer momento, donde les pido que se quiten los zapatos, creo que ahí nos quitamos de alguna forma una capa social y entramos a permitirnos vulnerarnos y sentir adentro de mi cuerpo.

¿Te gustaría ver tu obra con otra actriz, con otro actor?

Sería interesante, lo he pensado. Yo creo que sería complicado porque dentro de la dramaturgia todo está escrito, pero también es mi vida, realmente muchas de las cosas que cuento están estructuradas para que sea algo escénico… …lo del camión es maravilloso… …lo del camión, por ejemplo, y para mí es sorprendente, ahora cada que lo escucho digo, esto lo pude escribir sin que hubiera ocurrido, lo loco es que ocurrió y ocurrió de esa forma.

Pero creo que sería interesante verlo en otros, a mí algo que ahora me gustaría dentro de mi trabajo como directora, es salirme de la escena, me gusta actuar, pero en este trabajo aprendí que estar afuera me permite ver cómo ocurre, porque yo estando adentro, solo si veo el video, solo si veo fotos, puedo entender qué está pasando. Me gustaría ahora también mirar desde fuera y desde ahí seguirlo trabajando.

Porque también puede ser representada por hombres, con algunas adaptaciones.

Sí yo creo que tendría que la o el intérprete meterle de su caña, meter su experiencia, usar la estructura de juego, usar las cosas que son generalidades, pero adaptarlo a su propia memoria y experiencia.

El final es muy sorpresivo, hablando de sobre peso, cierras con un exquisito pastel que preparas en escena, ¿esto cómo se te ocurrió?.

Cuando lo estaba creando, lo que yo sabía y tenía muy claro era que al final quería compartir un pastel, no sabía cómo iba a llegar ahí, pero fueron de las primeras cosas que hice, que tiene que ver con usar la imagen cliché del gordo comiendo pastel, y la imagen del gordo que come comida chatarra, y transformarlo, y llevarlo a un lugar donde, al menos por un momento disfrutemos la comida sin culpa, no va a pasar nada por disfrutar este pastel el día de hoy, juntos, amorosamente. Y aparte que es un pastel a base de pan vegano que hace mi amiga Claudia en Mérida, uno de mis postres favoritos porque le queda delicioso, y porque ella lo hace con mucho amor, con ingredientes saludables, no es una comida rápida, es un pan de chocolate hecho en casa, con ingredientes saludables, con aceite de coco, no le pone azúcar agregada, entonces sí se puede, no porque luzca como chatarra lo es, y es eso, en la mirada tú lo juzgas así, pero no saben su contenido.

Podría ser la síntesis metafórica de la temática de la obra.

Muchas felicidades. Muy merecido que hayas cruzado el país que conozcas los mares de los dos océanos el Atlántico y el Pacífico y de los dos golfos, las dos penínsulas, creo que es muy significativo todo. 

Algodón de azúcar

Dramaturgia y dirección: Gabriela Ochoa.

Con Alejandro Morales, Romina Coccio, Carolina Garibay, Miguel Romero y Francisco Mena

Músico en escena: Misha Marks.

Teatro UNAM / Conejillo de indias. Ciudad de México.

Un hombre extraviado en medio de una tormenta se encuentra con tres payasos que lo engatusan para recorrer las atracciones de una feria abandonada. Cada juego lo lleva misteriosamente a revivir un recuerdo de su infancia. Los payasos alteran los episodios y lo incitan a actuar de un modo diferente a como realmente sucedió en el pasado, provocando situaciones cada vez más deliradas. Su aventura se irá transformando en una pesadilla de la que solo podrá escapar al confrontar un recuerdo olvidado.

¿Ya viste el agua que está llorando ai?

Autoría: Renée Gerardo Nevárez y Anitza García Palafox.

Dirección: Colectivo lo que viene del sol. Sonora.

Con: Renée Gerardo Nevárez y Anitza García Palafox.

Producción y asesoría escénica: Vaca 35 Teatro en grupo.

Colectivo lo que viene del sol. Sonora.

¿Quién más forma parte del colectivo Lo que viene del sol?

Anitza. A veces algunes técnicos que nos acompañan, dependiendo de donde estemos, Bernardo Carrillo, Catur Bejarano, Daniel Borbón o Carolina Molva también.

Básicamente son ustedes dos.

Renée. Sí, básicamente somos nosotres quienes convocan siempre, quienes estamos actives, sobre todo en la gestión y detonando los procesos creativos.

La obra habla sobre un asunto muy local, pero de trascendencia internacional por supuesto que ha afectado no nada más al estado de Sonora, sino a otros.

¿Cómo se les ocurre empezar a planear la obra?

Renée. En el 2014 nosotres estábamos a punto de graduarnos de la carrera de actuación y ese año sucedió lo del derrame del Río Sonora, sucedió lo de los 43 estudiantes de Ayotzinapa, fueron eventos muy detonantes en nuestras vidas, y una sacudida también, un momento en el que, en lo personal yo me estaba replanteando qué tipo de teatro quería hacer y sabía que quería reconectar también con mi tierra, con mi origen, después de haber estado un tiempo fuera estudiando.

¿En dónde estudiaste?

Renée. En casa azul, en Ciudad de México. Nos graduamos en el 2015 y fue en el 2016, a finales del 2016 que decidimos regresar y justo regresar para hacer una creación colectiva, documental en ese momento y después descubrimos que era un trabajo más testimonial y más personal también, como nuestra experiencia, viviendo, regresando a ese territorio, conversando cercanamente con las personas que vivieron el derrame en carne propia, y que lo siguen viviendo, porque nosotres también lo vivimos, a Hermosillo llegó toda la contaminación y ahora seguimos teniendo contacto con todos esos metales pesados.

Anitza. Yo recuerdo que leí un libro, Voces de Chernobyl, acabando la carrera, me acuerdo porque íbamos a iniciar otro proceso creativo con otro grupo que al final no se hizo, pero eso también me hizo pensar en ir de lo internacional que pasó en Chernobyl, hacia acá. Entonces cuando estábamos en Casazul que fue el suceso en el 2014, me acuerdo que mi mamá me explicaba cosas por teléfono que me hacían pensar como si fuera muy lejano, ya después te das cuenta que está más cerca de lo que a veces une piensa, une sienta, entonces eso empezó a cobrar una magnitud para mí, fue una parte muy sustancial de porque iniciar este proceso.

El contacto con la gente directamente afectada, supongo que potenció el proyecto a la máxima potencia.

Renée. Nosotres teníamos la idea que iba a ser de cierta manera ir allá y conversar, creíamos que iba a ser pura tragedia, sabes, pero en realidad no contábamos con que la gente hacía todo lo posible por anteponerse a esa tragedia y recuperarse, aunque saben que fue una tragedia impuesta, algo incluso que veían venir porque elles conocen su territorio y saben que desde hace tiempo el agua está sucia, de otro color, que su siembra ya había estado saliendo enferma, sus vacas, etcétera, pero eso fue demasiado, rebasó muchas cosas. Nos dimos cuenta que se recuperan y que no se van de ahí por algo, tienen ese arraigo.

Estaba el hecho, tenían testimonios, ¿cómo lo vuelven teatral?

Anitza. Fue a partir también de nuestra propia experiencia estando en los pueblos del río Sonora, para mí empieza este proceso desde que iniciamos nuestras bitácoras, aunque yo en ese momento no pensaba que iba a formar parte de, o que algunos textos iban a estar dentro de la pieza, pero para mí fue, ya armando la pieza que empezamos a incluir estas bitácoras y armamos una escaleta, que no es un texto tradicional sino como imágenes. Me acuerdo que pensamos en capítulos, pensamos en tres capítulos que son estas cartas de la lotería que van apareciendo, que es la tierra, cuerpo y agua. A partir de ahí fue que empezamos a resumir, a sintetizar, porque el teatro es síntesis, y teníamos mucho material, imagínate un año de material, más, entonces sintetizar eso fue la verdad un trabajal, porque teníamos demasiado y había cosas que queríamos poner que no las podíamos poner tal cual, entonces había que resumirlas y que sintetizarlas.

Estos tres capítulos nos ayudaron a ir acomodando la información, nos dimos cuenta que teníamos estos tres capítulos en todo lo que teníamos y que se repetían, y a partir de ahí empezó esta síntesis.

Este recurso es muy bonito, muy mexicano. Ya tenían la síntesis y creo que estos tres capítulos a través de las cartas, es lo que le da cohesión y unidad a todo el material que tenían.

Renée. Fue un hallazgo bien bonito, un descubrimiento bien shilo. Tenemos a los animalitos, tenemos la comida, tenemos las semillas, las plantas, personajes, incluso las madres, las quesadilleras, toda esa riqueza cultural, también gastronómica de ahí, dijimos una lotería estaría shila, hacer nuestra propia lotería sonorense ribereña.

Aparte queríamos también hablar de todas las formas de vida, no solo de las personas, teníamos el testimonio humano, pero también queríamos hablar de las plantas, de los animalites, entonces fue como nuestra manera de honrarles.

¿Cómo incluyen este recurso gastronómico de las quesadillas?

Anitza. Fue a partir de otra experiencia que tuvimos en Arizpe, llegamos a comer y en ese momento Reneé y yo éramos vegetarianes y llegamos a un lugar donde había quesadillas y la señora, la persona que nos atendió, a mí me parecía que tenía un carisma muy particular, muy abrasador y muy amoroso. Luego luego nos atendió con quesadillas y una salsa muy buena, no es la que yo hago en la pieza, es otra, pero estaba muy buena, a partir de ahí quisimos llevar esta experiencia y esta persona muy entrañable, sentíamos que era como un símbolo. Estos personajes se empezaron a convertir en un collage de nuestras personas cercanas, de nuestras madres, abuelas, tías, pero esta comicidad sí la tenía esta persona, ternura a la misma vez, entrañable.

¿Cómo se sienten representando a su estado en la cuadragésima cuarta Muestra Nacional de teatro?

Renée. Agradecide y muy privilegiade también por estar aquí, tener la oportunidad de ver tanto teatro, de convivir con gente bien shila, de conocer, también de repensar lo que une está haciendo, por qué lo está haciendo y eso. Mucha conexión emocional también, eso es bien bonito la neta, incluso sentir, en mi caso, que hay algo que me conecta a La Paz incluso a través de la obra, como hubo una conexión con este territorio, eso es bien bonito. Entonces que fortuna poder estar aquí representando a Hermosillo y a Benjamín Gil, Sonora.

Anitza. Yo también estoy feliz porque es la primera vez que vengo a la Muestra Nacional de Teatro. Un poco asombrada de como hasta donde me ha llevado a mí este proyecto, conocer un lugar que siempre quise conocer y que esta pieza sea el vínculo para conocer estos lugares, he conocido muchos lugares por esta pieza, entonces una palomita más.

Boca ostra. Diario de mi lengua roca.

Dramaturgia y actuación: Katlin Arce.

Dirección: Fernando Yraida.

Artescena MKM. Baja California Sur.

Dispositivo escénico que Muestra fragmentos del pasado de una mujer herida que, a través de relacionarse con personajes mitológicos, une sus fragmentos en busca de completud. Un discurso sobre la capacidad para enfrentar distintos tipos de violencia y una mirada crítica a los procesos personales sobre el creciente deseo de aceptación y pertinencia.

Jóvenes a la Muestra.

Montserrat Aquino. Puebla

¿Cómo conociste este programa y cómo te incorporas a él?

Yo no sabía de la Muestra Nacional hasta hace un año que fue en Jalisco, y me enteré del programa porque una amiga de la universidad, de repente empezaron a postear en redes sociales imágenes donde estaban en Jalisco con más jóvenes viendo teatro, y dije ¿A dónde fueron?, le pregunté y me platicaron del programa de Jóvenes a la Muestra, y fue así que a través de la difusión de ella yo conocí el programa y dije, Ah pues ¿cuáles son los requisitos, o qué se necesita?. Me platicaron que cada año salía la convocatoria, apliqué por primera vez este año y afortunadamente fui seleccionada para representar a Puebla.

¿Cómo te sentiste compartiendo esta experiencia, que es maravillosa, viendo mucho teatro y otras actividades complementarias, que las hay, y otras para ustedes específicamente?

El hecho de que nos hayan dado tanta prioridad empodera bastante como joven, el hecho de que te volteen a ver y que, sin importar tal vez tu edad, había compañeres que estudiaban comunicación o biología, pero que en cierta forma, parte de su vida giraba en torno al teatro, que dieran esa oportunidad de seguir creciendo y de decirte, Mira, hay más gente que está haciendo lo que tú estás haciendo, y que en algún momento tú puedes también ser parte de este lado de la moneda.

Yo me sentí muy llena, muy feliz, creo que en la historia como estudiantes normalmente nuestras voces o nuestras perspectivas son tomadas menos, que a veces nuestra experiencia no cuenta, que nuestras historias no cuentan, o que no son lo suficientemente enriquecedoras como para estar en algún lugar, simplemente porque no tenemos ese trayecto de experiencia, o ese trayecto de tiempo, y el hecho de estar aquí y platicar y estar tan cerca con los y las coordinadoras llena mucho el corazón, porque te hace sentir, ¡si soy importante tengo voz, y si tengo voz la puedo seguir usando!.

¿Entonces no es requisito estudiar teatro, pero debe de haber algún vínculo con lo teatral, aunque se dediquen a la biología o a la matemática?.

De hecho, hace un año el chico que representó a Puebla estudió estomatología, pero él trabaja con compañías de teatro en Puebla de manera independiente, y después me platicó que mientras estudiaba en las mañanas en la universidad, los fines de semana, o las tardes, las dedicaba a hacer teatro. Y el hecho de que se tomen en cuenta a personas que tal vez no pertenecen directamente a una institución artística, pero que por x o y razón no pudieran estudiar eso y que tienen las ganas y el tiempo de participar de manera extracurricular, que digan que eso también cuenta es muy esperanzador porque es como, Bueno, tal vez hay gente que está haciendo cosas maravillosas que vino acá a la Muestra, que dejó trunca la universidad por cuestiones económicas o familiares, pero que te puedan ayudar a decirte, Bueno, tú puedes redireccionar tu vida al teatro desde tu propia trinchera.

De las personas que conocí, que estudiaron comunicación, biología, que tal vez no tuvieron una formación directamente teatral y como comúnmente se conoce como que, Ah, o eres actriz o director. Sino que había personas que se dedicaban también a otra rama artística, estaban aquí, como bailarinas, bailarines, que de cierta forma su vida, su cotidiano, tiene algo de teatro.

¿Tú sí estudias teatro?

Sí egresé en diciembre 2023 de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, y estudié arte dramático con terminal en dirección.

Te escuché comentar que tu cabeza estaba como fragmentada, platícame de eso.

Fue toda una bomba de estímulos, una bomba nuclear de estímulos, estaba pensando, Bueno, cuando esté en el avión, o en Puebla, en mi casa, como puedo pensar lo que viví para digerirlo de manera ordenada y que no se me pase nada. Y yo divido mi cabeza tanto en lo que vi de teatro, lo que viví acerca del teatro, las interacciones, y las relaciones que se crearon con las personas que conocí e imágenes, que son cuestiones fortuitas, o momentos que sin haber una interacción directa conmigo y la imagen, me dio muchísima información. Entonces mi cabeza quedó fraccionada en esos tres ejes.

¿Qué te llevas de La Paz a Puebla?

Dividámoslo en los ejes: en cuanto al teatro me llevo, aparte de las conexiones, de saber qué se está haciendo en cada lugar, porque yo estoy en Puebla y no tengo esta oportunidad o privilegio de ver las puestas en escena que, por ejemplo, se hacen en la Ciudad de México, pero ahora veo que no estoy sola, y que cada persona está, desde su estado, desde su trinchera, haciendo algo con el teatro, entonces para mí es como una sensación de que tal vez estaré yo sola creando en mi ciudad, pero ahora ya tengo la imagen de que hay alguien preguntándose las mismas cosas que yo en otro lugar, a la distancia hay alguien que tiene los mismos cuestionamientos, las mismas ganas de seguir el enojo, la alegría, y que estamos como separados, separadas, pero que esta energía se está compartiendo, y entonces ya mi cabeza sabe que somos un circuito y está activo.

Me llevo ganas de experimentar con nuevas propuestas que vi, que tal vez diga, esto me encantaría trabajarlo en algún momento, o ver la coincidencia de los temas que se hablan, que para mí es como si fuera un mapeo de lo que pasó o está pasando en México con los artistas. Vimos cuestiones de la ausencia, de la vejez, de la pérdida, los enigmas como jóvenes de, ¿Y ahora qué hago con mi vida?, entonces eso me sensibiliza para pensar en los míos, en las mías, en mi lugar.

En relación con las interacciones con las personas que conocí, inevitablemente cuando conectas con una persona, que hice yo grandes amigas, y creo que al vivirlo todo tan intenso, se espera que en algún momento vuelva a reencontrarme con alguien, y creo que esa sensación de irte de un lugar y saber que compartiste un espacio con alguien y compartiste tantas cosas emocionantes con estas personas, me hace querer buscar la manera de volver a ver a esas personas que ahora quiero tanto, y que siempre es muy difícil despedirse, y que siempre está esta esperanza del reencuentro.

En cuestión de la imagen, había momentos y creo que la imagen involucra también el público, y las personas que participaron en toda la Muestra, por ejemplo, no sé, me quedo mucho con el momento en el que nos despedimos de Gabriel, el señor que manejaba el autobús que nos llevaba del hotel al teatro, del teatro a tal. Y que, cuando nos despedimos, el señor quería llorar, se abrazaba a él y no lloraba, y yo decía, la sinergia que podemos causar en una persona y que luego esta persona puede ir a su casa y tal vez no va a hablar de teatro en sí, va a hablar de los chamacos que hacían ruido en el autobús, de cómo tenía en el autobús a una persona de cada estado, y que creo que eso va cambiando cachitos de vida. Estar en el aeropuerto, ver como un abuelo se despide de sus nietos, son cosas que al estar en este tránsito de, Yo vengo de este lugar, vivo estos días aquí y me regreso, estar con esta sensación de me voy, me agudiza los sentidos de voltear a vernos.

¿Qué predominaban, hombres o mujeres en los Jóvenes a la Muestra?

Había más mujeres

Finalmente, ¿sugerirías algo a los organizadores de la Muestra para las próximas ediciones en Jóvenes a la Muestra?

Que nos den un día de descanso, sé que en cuestiones de presupuesto a veces eso es lo que es posibilita, pero también limita muchas cosas que idealmente quisiéramos que pasaran. Y yo entiendo que la presión, y la programación, que fueron 27 obras y verlo todo en tan poco tiempo, tiene que ver también con cuestiones de presupuesto, pero el hecho de que, por ejemplo, ahorita estoy ronquisima, tomando en cuenta el clima. Estábamos, afuera hacia calor, entrábamos a una obra y ponían el aire acondicionado, salías de nuevo al calor. No dormíamos bien porque llegábamos al hotel a las 12 y nos dormíamos a la 1 por x o y razón, y nos despertábamos a las 7 del otro día, y luego era todo el día estar ocupadas, ocupados. Y del agotamiento, había momentos en los que, por más que querías ver una obra, nos dormíamos.

Y no porque sea mala o aburrida es por cansancio.

Claro, por cansancio. También que hubiera más momentos pensados en el conversatorio, que hablábamos de cuestiones teatrales, pero también siento que faltó algún otro momento, tal vez en medio de la Muestra, en el que pudiéramos sentarnos. Haber, ¿qué hemos visto?. Porque de hecho nos piden al final una bitácora y al platicar o buscar estrategias de, ¿cómo platico, somos 32?. Inevitablemente conectas más con otras personas y dejas algo, descuidadas a otras. Buscaría alguna manera en la pudiéramos sentarnos o estar en algún lugar descansando y platicando con los demás estados, porque siento que sí fue muy apresurado todo.

Hasta la comida, era comer rápido, corre, había quienes iban al baño y los dejaba el autobús y pues ni modo, se tenían que pagar un taxi. UBER, DIDI, para ir al teatro.

Igual una sugerencia: a veces vi en obras que había padres que llevaban a sus bebes, a sus hijos, a sus hijas pero que no podían estar porque tal vez los pequeños se aburrían, se tenían que salir. Las infancias están presentes en los espectáculos, buscar de qué manera hubiera algún espacio de cuidado para las infancias, que, mientras los papás quieren, necesitan un momento para despejarse y ver una obra, tal vez de manera simultánea pasarán cosas. Si voy a ver una obra como papá o mamá y puedo dejar a mi hija o hijo en alguna parte del teatro en donde también esté viviendo una experiencia, y yo cuando entré a la obra vivamos una experiencia, buscar alguna estrategia en la que sea, no como una guardería como tal, pero que los papás sepan que pueden descansar un momento e ir, porque a veces en las que, como papás o mamás, no salen, o se retraen de actividades artísticas, culturales o sociales por la presión de tener a los niños.

Daniel Miranda. Director General MNT.

A ti que te tocó organizar varias Muestras, creo que es un buen parámetro ver la oferta teatral que hay en el país.

En ese sentido nosotros trazamos una ruta que me parece muy interesante, y es la Muestra como dispositivo y con una trayectoria de 44 emisiones, que no 44 años, porque hubo años en que se suspendieron, entre ellos el 2020, tiene desde el 78, que son 46 años. En esos 46 años hubo lugares en el país, siendo un programa itinerante desde su origen, creado por el maestro Solé, hubo lugares en los que nunca fue, y hubo otros a los que fue muchas veces, como el caso de Monterrey, Monterrey tuvo 11 o 12 Muestras casi seguidas. Entonces dices, ¿cuál es el sentido de que vaya mucho a un lugar, siendo un programa que nace itinerante, y no vaya a otros lugares?. Evidentemente te das cuenta que cuando llegas a un lugar con una cierta aridez en términos de creación escénica, te enfrentas a muchas barreras y a muchas complicaciones, es el caso que a nosotros nos tocó en Torreón, y un poco lo que nos tocó ahora también en Baja California Sur. Es más difícil hacer el llamado a la audiencia, es más difícil encontrar espacios que estén equipados, que estén calientitos, etcétera, entonces el trazo que hicimos nosotros fue tratar de llevar la Muestra a aquellos estados a donde no había ido, en ese sentido logramos Morelos que lo incorporamos a la Ciudad de México, antes de que yo llegara ya se había hecho Colima, que también había sido primera vez. Hicimos Coahuila, hicimos Baja California sur y ahora dejamos sembrada Quintana Roo, que tampoco se había hecho, todavía faltan otros siete estados por visitar.

En este sentido y un poco tratando de responder tu pregunta, si es más complicado llegar a esos lugares, pero hay que convertirlo en un círculo virtuoso, porque si nunca llega, porque no hay, entonces no está preparado porque nunca llega y entonces nunca va a llegar. Entonces le toca al estado y le toca a la institución pública tratar de romper ese círculo vicioso y volverlo virtuoso y decir: ¡Venga!, y llegamos con todo el dispositivo de la Muestra, dejamos pilares que sean siembra aquí, y que posteriormente signifiquen una cosecha que tenga un impacto en las mejores condiciones para las creadoras, para los creadores, una serie de perspectivas que se abren para ellos y mejores condiciones también de oferta para las audiencias que pensamos que es una forma de tener impacto en esto que estamos hablando de ¿cómo le hacemos para que los espacios se vuelvan calientitos? pues romper ese círculo.

En La Paz el Teatro de la Ciudad, que es muy grande, tuvo buena afluencia de público, el Juárez siempre estaba lleno, igual que espacios alternativos como la Casa de Cultura, o la misma playa, eso denota que que la gente está ávida de ver cosas, se les ofrece en buenas condiciones y responde. Eso es maravilloso.

Es que el teatro es muy generoso en ese sentido. Tú le dices a cualquier persona, Oye, el teatro. Y todo mundo dice sí, que padre el teatro. Sí, sí. No necesariamente lo tiene incorporado a su cotidianidad, pero es muy poca gente que te diga, ¡Ay no, que flojera el teatro!.

Es como un lugar con un cierto enigma, el teatro en general es un cierto enigma a nivel social, todo el mundo quiere, no todo el mundo puede, no todo mundo lo tiene incorporado en su cotidiano, y volvemos otra vez al origen, si la oferta es buena, si el producto es bueno, va a gustar y va a llenar, y va a convocar a la audiencia. Obviamente se tienen que dar condiciones, una buena comunicación, un buen espacio.

Por ejemplo, sucedió más ahora en La Paz, que se habitan otros espacios, entonces esos espacios se resignifican para la propia comunidad local y eso es muy rico porque rompes este mito de, solamente el Teatro de la Ciudad es el único espacio que se tiene que habitar, pues no, hay otros espacios, la misma playa. Íbamos caminando en esta procesión en Mensajeros, me dio mucha risa porque adelante de mí iba una señora explicándole a sus dos hijas más o menos preadolescentes, que es lo que estaba sucediendo. Lo explico de una manera que ni yo lo había podido entender, dijo: Mira hija, es que esto es como una procesión, como las que se hacen para las procesiones religiosas, pero esta es una procesión teatral. Entonces lo que sucede es que pareciera como que la gente es una entidad que va vacía, y entonces llegan los teatristas y las llenan con su virtuosismo, ¡No!, las personas tienen referencias, tienen referentes, y pueden interactuar con esos referentes. Lo que pasa es que no siempre tienen esa oferta y no siempre tienen esa oferta de calidad, yo estoy seguro que ese momento que también yo lo viví como espectador, ese fue un momento simbólico y significativo para una comunidad que habitó ese espacio de transitar por esa calle, que seguramente habían transitado muchas otras veces, y esa playa a la que habían ido muchas otras veces, pero hoy tiene otro significado que le dio el teatro y el significado es no solamente pensar que algo pasó ahí, sino que pasó gracias al teatro, y esa es la virtud que hay que aprovechar.

Y que en estos casos de las lecturas que puede darle el público, que a lo mejor el creador jamás se lo planteó y le retroalimenta y se da cuenta de cosas que él está dando, que ni siquiera sabía que lo estaba dando.

Exactamente, finalmente es el complemento que es el planteamiento de esta Muestra, que el discurso curatorial se centra en el espectador, y en la influencia que el espectador, espectadora tienen en relación con la propia puesta en escena, entonces ahí por ejemplo, yo estoy seguro que para José Uriel, el director de esta puesta en escena, hubo una serie de cosas que sucedieron que van a enriquecer definitivamente su propia propuesta creativa. 

Concluimos.

Luis Mario Moncada. Coordinador Nacional de Teatro.

Nos vamos de aquí los que vinimos de fuera con las maletas muy llenas de ideas, de expectativas, de redes de comunicación que queremos echar a andar para que, efectivamente, así como se dio en estos días, la diversidad de propuestas, de preocupaciones, de inquietudes que se desdoblaron sobre el escenario, queremos que estas manifestaciones se repliquen en toda la República. Que estemos comunicados, que podamos compartir precisamente todo aquello que nos pasa y que tenemos la necesidad de desplegar sobre estos espacios, sobre estos escenarios, y de comunicarlo con ustedes.

Han sido 10 días muy intensos y tenemos un año para preparar un nuevo encuentro.

Ha sido un placer inmenso estar aquí, realmente es un viaje de crecimiento para todos nosotros, y esperamos encontrarnos pronto, esperamos que eso que aspirábamos el primer día, que era inocular el veneno del teatro haya tenido algún efecto y que nos volvamos a ver muy pronto en las salas de los teatros para compartir estas historias. Muchas gracias.

Isabel Toledo. Dirección artística.

Y henos aquí 10 días después del arranque, en tránsito hacia una despedida.

Como Dirección Artística, quisiéramos reconocer a las compañías, colegas y equipos que hicieron posible esta celebración y de manera especial queremos agradecer al maravilloso equipo técnico y de producción de la organización, quieres no solo construyeron espacios donde no los había, sino que dieron todo para que disfrutáramos de cada función, en colaboración con el equipo técnico del INBAL.

También agradecemos al equipo de intérpretes de lenguas de señas mexicano.

A lo largo de estos días se nos ha hinchado el corazón de orgullo al escucharles nombrar esta Muestra como un espacio donde se han sentido segures, y esto no sería posible sin los cuidados que todas y cada una de las personas que trabajan en la Muestra han procurado para esta comunidad.

Gracias a voluntaries, anfitriones, a los equipos de trabajos de los teatros y por supuesto a todo el equipo del Teatro de la Ciudad, el Instituto sud californiano de Cultura, y la Coordinación Nacional de Teatro.

Nombrar y visibilizar nuestras heridas también nos permitió potenciar nuestros caminos, no solo para comenzar quizá a sanarlas sino para fortalecernos como comunidad que siempre está en proceso de auto reconocimiento. Tuvimos una edición para celebrar el camino del teatro para lograr una horizontalidad anhelada, para sumar otras comunidades y para abrazar la resistencia y el goce como banderas de nuestro quehacer en este puerto de ilusión que nos regaló la Muestra.

Nuestra gratitud a La Paz, a sus públicos que nos recibieron con entusiasmo, no solo en los teatros, sino en sus calles, en sus plazas, en el malecón. Sobre todo, gracias a esa enorme comunidad nacional que siempre nos abraza en su diversidad. Como Dirección Artística, queremos agradecer a la Coordinación Nacional de Teatro por confiar en nuestras miradas. Nos vemos en la próxima Muestra Nacional de Teatro.

Carlos López. Titular del Instituto de la Cultura y las Artes de Cancún.

Es un honor recibir esta estafeta por parte de la Coordinación Nacional de Teatro, es un orgullo para mí, he sido productor de teatro toda mi vida, ahora estoy al frente del Instituto de la Cultura y las Artes de Cancún, será un honor recibirlos. Estamos convencidos que vamos a vestir a Cancún de teatro, de teatro magnífico, para mí es un placer recibir esta estafeta aquí, desde La Paz, el pacífico, para llevarla hasta nuestro caribe mexicano.

Allá los esperamos, Cancún se va a vestir de teatro, tenemos fama en Cancún de ser excelentes anfitriones, y les vamos a demostrar a ustedes que también Cancún puede ser un destino cultural, a la altura de ese gran destino turístico, que lo es.

Muchísimas gracias, por allá nos vemos, que viva el teatro y que viva Cancún.